Kategorie: Reggae

Vor 50 Jahren begann die musikalische Karriere von Freddie McGregor. Bereits als siebenjähriger nahm er im Studio One erste Stücke auf – zunächst als Background-Sänger, später unter seinem eigenen Namen. Nun legt er nach achtjähriger Wartezeit ein neues Album vor, weitgehend produziert von C. & R. McLeod und seinem Sohn Stephen „Di Genius“ McGregor. Herausgekommen ist eine Mischung weniger mäßiger neuer Songs und einer Menge sehr schöner Cover-Versionen (George Benson, The Beatles, Bob Marley, Mighty Diamonds, Heptones und von sich selbst: F. McGregor). Insgesamt ein schönes Album. Die wenigen Schnulzen muss man einfach überhören.
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Normalerweise läuft es so: Jemand nimmt ein Album auf, veröffentlicht es, schickt anschließend die Tracks zu befreundeten Musikern, welche Remixes produzieren, die dann ca. ein halbes Jahr nach der Veröffentlichung des Albums auf den Markt kommen. Es ist die gleiche Abfolge wie beim klassischen Dub-Album: erst die Gesangs-Version, dann die Dub-Versions. Doch ebenso wie der moderne Dub damit Schluss gemacht hat, das Derivat eines Gesangsalbums zu sein, so hat sich nun offensichtlich auch der Remix von einem bisher als zwingend vorausgesetzten „Original“ emanzipiert. Das Horace Andy-Album „Broken Beats“ (Echo Beach) ist nämlich direkt als Remix entstanden. Eine geniale Idee, die konsequent und bravurös umgesetzt wurde: Das Hamburger Label Echo Beach hatte Lust auf ein neues Horace Andy-Album mit einigen seiner klassischen Hits wie Skylarking, Money Money, Cuss Cuss sowie neuem Material und lud somit kurzerhand befreundete Dub-Acts und Remix-Produzenten wie Rob Smith, Dubblestandart, Fenin, Dub Spencer & Trance Hill, Felix Wolter u. a. ein, die Musik dazu beizusteuern. Doch statt auf alte Horace Andy-Aufnahmen zurückzugreifen, entstand das komplette Album neu. Der Clou: selbst Horace Andy sang seine Songs extra neu ein. Was als Kopf-Experiment hätte leicht in die Hose hätte gehen können, liegt nun als spannendes und betörendes Album vor, das konzeptuell wie musikalisch absolut State of the Art ist. Obwohl der individuelle Stil der beteiligten Musiker unverkennbar bleibt, fügen sich alle Tracks, die Vocal-Versions sowie die Dubs im zweiten Teil des Albums, zu einem geschlossenen Ganzen, das sich jenseits enger stilistischer Grenzen von Reggae und Dub bewegt. Vordergründig macht es das Album seinen Hörern nicht leicht. Beim flüchtigen Hineinhören wirken die Beats oft etwas sperrig, lassen sich keinen bekannten Kategorien zuordnen und bieten statt kraftvollem Wumms eher zurückhaltendes Understatement. Der wahre Schatz dieser Musik erschließt sich nämlich erst beim genauen Hinhören. Dann, wenn die ruhige Kraft der Beats und die in ihrer Komplexität verborgene Schönheit offenbar werden. Und genau dann ist man als Hörer unendlich dankbar, statt bekannte Styles wiedererkennend abzuhaken, in jedem der 15 Tracks neue Überraschungen zu erleben, neue akustische Entdeckungen zu machen und schließlich das (wieder) zu finden, wofür Dub eigentlich steht: Innovation.

Unglaublich, aber der Hit Tune „Watch What You Put Inna“ des Overproof-Soundsystems aus Birmingham ist inzwischen zehn (!) Jahre alt. Das dazugehörige erste Album neun Jahre! So gesehen wurde es Zeit, ein neues Werk nachzuschieben. Trotz der großen zeitlichen Distanz, schließt „Pull It Up“ nahtlos an das Debut an – wurde es doch erneut im Elephant House Studio unter dem wachsamen Auge der Groove Corporation produziert. Eine bunte Mischung aus 16 Stücken ist daraus hervorgegangen, von denen die meisten allerdings normale Songs sind, unter die sich ein paar wenige Dubs bzw. Instrumentals gemischt haben. Es mag ja eine reine Geschmacksfrage sein, aber ich bin der Meinung, dass die Sänger Messenger Douglas und Juggla es einfach nicht richtig drauf haben, jedenfalls erinnert mich der Gesang der beiden zu sehr an Fußball-Chöre (jetzt mal etwas übertrieben gesagt) und die Melodien ihrer Songs sind mir auch zu simpel. Das ist umso ärgerlicher, als ich die Dubs und Instrumentals (fantastisch: „War Must Cease“) richtig gut finde. Okay, vor allem in der zweiten Hälfte des Albums werden die Songs besser, wie z. B. „Unity“ oder „No Matter“. Da ich aber grundsätzlich keine einzelnen Songs höre, sondern jedes Album (selbst Sampler) als unteilbare Einheit begreife, zerstören mir mehr gerufene als gesungene Songs wie „Jump Up“ oder „Fire“ das Gesamterlebnis zu sehr.

Streng genommen gehören die 10 Deadly Shots gar nicht auf diese Seite, denn was uns die Band aus New York hier zu Gehör bringt, sind astreine Old-School-Instrumentals, die mit Dub so viel zu tun haben, wie meine gute alte Olympia mit dem MacBook Pro, an dem gerade dieser Text entsteht. Wüsste man es nicht besser, so könnte beim kurzen Hinhören  der Eindruck entstehen, ein verschollen geglaubtes Studio One-Tape mit Jackie Mittoo zu hören – was für die Jungs von der Ganja Plantage wahrscheinlich ein Riesenkompliment wäre. Denn sie haben wirklich alles daran gesetzt, den Hörer hinters Licht zu führen. Auf ihrer Website beschreiben sie akribisch, welche analogen Aufnahmeutensilien wann genau zum Einsatz kamen, wie das Aufnahmegerät kalibriert wurde und wahrscheinlich auch, welche Tonband-Marke sie verwendet haben und was vorher auf dem Band gespeichert war (wenn letzteres der Lektor nicht zum Wohle der Leser gestrichen hätte). Doch hören geht über lesen, und was das betrifft, braucht es keine weiteren Erklärungen: Die zehn tödlichen Schüsse (die eher zehn fröhlichen Gummibällen gleichen) machen ebenso so viel Spaß wie die liebevoll mimetischen Retro-Produktionen eines Prince Fatty. Wer sie hört, kommt einfach gut drauf: Das Leben ist schön und alles ist gut. Wer hier jetzt gerne noch eine kritische Reflexion lesen möchte, sollte mal versuchen, im Zustand der glückseligen Verzückung selbst eine zu schreiben. Es ist unmöglich.

Mein in Ehren gealtertes Buch „Do The Reggae“ (1995) ist soeben in Apples iBook-Store erschienen. Wer Lust hat, die Geschichte des Reggae am iPad nachzulesen, kann es sich kostenlos herunterladen.

Hier haben wir ein reines Vocal-Album: „People‘s Choice“ (Irievibrations) – passt also eigentlich gar nicht in diesen Blog. Aber für dieses schöne Werk muss ich einfach eine Ausnahme machen. Gelegentlich kreuzen sie meinen Weg: Alben, die ganz und gar von ihren wunderbaren Songs getragen werden. Ein Dub-Treatment würde sie des größten Teils ihrer Schönheit berauben. Um so ein Album handelt es sich bei dem Debut-Werk von Ray Darwin. 15 große Songs, brillant komponiert und fantastisch produziert. Seien wir ehrlich, die Mehrzahl der Melodien, die der Reggae zu bieten hat (wobei überhaupt nur ein Bruchteil aller Songs mit Recht den Begriff „Melodie“ für sich in Anspruch nehmen kann), sind sehr simpel gestrickt. Nicht so die Songs von Ray Darwin. Sie präsentieren bis ins Detail durchkomponierte, wunderbar eingängige und durchaus komplexe Melodien. Schöne, sanfte Songs sind es, die keineswegs nur Love-Storys zu bieten haben, sondern auch kritisch Stellung zu unserer Lebenswirklichkeit beziehen. Außerdem werden sie – das sei nebenbei dann auch noch erwähnt – von Mr. Darwin mit einer angenehm voluminösen Stimme bravourös dargeboten. Doch die Songs sind nur der halbe Spaß. Die andere Hälfte besteht aus den großartigen Produktionen. Die Rhythms sind perfekt auf den Punkt produziert. Hier stimmt alles: Sound, Timing, Arrangement, Groove. Statt einem durchgängigen Arrangement-Muster zu folgen, basiert jedes Backing auf einer eigenständigen, adäquat umgesetzten Idee. So werden einige Studio One-Klassiker neu interpretiert und mit viel Liebe zum Original frisch intoniert, andere Kompositionen sind hingegen Originale –  mit Potential zum Klassiker. Doch was mich fast noch am meisten begeistert ist, dass dieses schöne Album in Deutschland produziert wurde, und zwar in Hamburg als Zusammenarbeit von Ray Darwin und Piet Abele. Da mich Jamaika in den letzten Jahren zunehmend enttäuscht, schöpfe ich jetzt auch für Reggae (beim Dub ist es ja schon selbstverständlich) mit Blick auf Europa neue Hoffnung.