Autor: René Wynands

Dub ist kein geschlossenes Genre mit immer den gleichen Protagonisten. Dank seiner stilistischen Offenheit, gibt es permanent einen Strom an „Besuchern“ aus anderen Genres, die ihre Musik mit dem verbinden, was Dub ausmacht – und damit wiederum auf den Dub zurück wirken und den Horizont des Genres erweitern. Daher sind neue Namen, die oft nur ein Album hinterlassen, nicht selten. Doch jetzt ist mir ein Name begegnet, der heraus sticht: Dr. Dubenstein. Abgesehen davon, dass das ein wirklich cooler Name ist, kann er nur zu jemandem gehören, der im Dub wirklich zuhause ist und womöglich schon seit Jahren in einem verborgenen Studio an Hall und Echos schraubt. Die Recherche ergab, dass dieser merkwürdige Charakter angeblich 580 A.D. in Sektion C, Reihe 15, Sitz 23 des Transportschiffes Enigma geboren wurde, während sich dieses auf dem Weg von West Ardevor nach Klacmata befand. Aber ich glaube, das sind Fake-News. Wahrscheinlicher ist, dass es sich tatsächlich um Derrick Parker handelt, einen Studiotechniker, der in Washington DC lebt und bereits mit vielen Bands (von Steel Pulse bis Toots & The Maytals) gearbeitet hat. Nun legt er sein erstes eigenes Album vor: „Conspiracy Theory“ (Echo Beach) – ja, seine erste Veröffentlichung überhaupt, wenn man von je einem Track auf drei alten Dub-Samplern absieht. Die Verschwörungstheorie steckt in einem schwarzweiß illustriertem Cover, das den Doktor an den Controls zeigt und unweigerlich an Mad Professor denken lässt. 17 Tracks gibt’s zu hören, die unterschiedlicher nicht sein könnten. Offenbar das Werk unterschiedlicher Bands und Musiker. Das legt die Vermutung nahe, dass Dubenstein hier die gesammelten Werke seiner langjährigen Dub-Arbeit im Albumformat veröffentlicht. Hören wir mal rein: Die ersten beiden Tracks können mich nicht überzeugen. Sie klingen mir zu sehr nach hölzernem US-Reggae und nach Lovers Rock. Spannender wird es dann mit „Flabba’s iPad“ und spätestens bei „Illuminati Dub“ bin ich bei der Sache. Was dann folgt, klingt mehrheitlich nach der jamaikanischen Schule des Dub – also dem Gegenteil von Steppers & Co. Nicht ganz mein Lieblings-Style, muss ich zugeben, aber dennoch ein gutes Album von superbem Klang und klassisch virtuoser Mixing-Kunst. Mir fehlt etwas Intensität, Entschiedenheit und jene magische Bass-Atmosphäre, die ich so liebe. Doch wer eher die handwerkliche Qualität von Dub schätzt, wird bedingungslos an die Verschwörungstheorie glauben.

Dreadzone ist eine erstaunliche Band. Ihr erstes Album 1993 stellte für mich eine Zeitenwende des Dub dar. Der Sound war absolut einzigartig und wegweisend. Es folgten More Rockers/Rockers HiFi, Groove Armada, Zion Train (mit dem Album „Siren“) und viele andere, die eine Fusion von Dub und elektronischen Club-Sounds vorantrieben. Aus meiner Sicht damals die absolute Speerspitze der Entwicklung. Umso befremdlicher ist es heute, rund 25 Jahre später, mit „Dread Times“ (DMF) ein neues Album von Dreadzone auf den Tisch zu bekommen, das sich stilistisch kaum weiterentwickelt hat. Es ist immer noch der „revolutionäre“ Sound von vor zwei Dekaden. Merkwürdig. Positiv ließe sich sagen: Dreadzone hat den eigenen Stil gefunden und perfektioniert – und der Stil besteht nicht darin, Avantgarde zu sein, was ich offenbar irrtümlich unterstellt hatte. So betrachte, ist „Dread Times“ durchaus ein gelungenes Album. Verglichen mit anderen Dub- und Reggae-Alben sogar immer noch ausgesprochen eigenständig. Melodiöse Uptempo-Breakbeats, Earl 16 am Mikrophon, üppige Produktion und natürlich, nach wie vor, dem Crossover von Dub und Club verpflichtet. Da fast jeder Track mit einer Vokal-Spur daher kommt, ließe sich trefflich darüber streiten, ob wir es hier überhaupt mit unserem Lieblingsgenre zu tun haben. Dub-Puristen würden wahrscheinlich so heftig den Kopf schütteln, dass die Gefahr einer Gehirnerschütterung bestünde. Ich bin hingegen der Meinung, dass experimentelle, progressive Sounds mit (auch nur entferntem Reggae-Beat) immer Anwärter auf die ehrenvolle Auszeichnung „Dub“ sind. Dumm nur, dass wir es hier mit Retro-Progressivität zu tun haben.

Die beiden grauhaarigen Herren Dougie Wardrop (Kopf) und Steve Vibronics (Bart) sind Urgesteine der UK-Dub-Szene. Urgestein meint hier, dass sie sich seit rund einem Vierteljahrhundert dem Dub verschrieben haben. Doch schlappe 25 Jahre reichen den beiden nicht. Für ihr neues gemeinsames Album müssen es schon 50 Jahre sein: „Half Century Dub – Five Decades in the Mix“ (Vibronics/Scoops). Ein Konzept-Album also. Aus jeder Dekade – beginnend mit den 1970er Jahren – rekrutieren die beiden je zwei Produktionen, um sie abwechselnd zu remixen und schön chronologisch in der Tracklist aufzureihen. Steve Vibronics beginnt mit „Jehovia“, einem Ronnie Davis-Original von 1975. Keine Ahnung, ob er dabei Zugriff auf die originalen Mehrspurbänder hatte, oder ob er Samples mit neuen digitalen Produktionen kombinierte, jedenfalls klingt das Ergebnis eher postmodern. Dougie Wardrop folgt mit „Leave Yah“ (Original von Freddie McGregor), was vergleichsweise authentisch klingt. In großen Schritten geht es weiter in die 1980er Jahre: „Try A Thing“ von Junior Delgado als Dub, schön garniert mit zeittypischen Music-Works-Samples. Mit dem Wechsel in die 1990er kommen endlich eigene Produktionen der beiden ins Spiel, die Ära des UK-Neo-Dubs begann. Gefühlt würde man sagen, seit damals hat sich beim Sound von Vibronics und Conscious nichts mehr getan. Doch die beiden UK-Dubber setzen alles daran, diesen Eindruck zu zerstreuen und führen – stellvertretend für die letzten Dekaden – Tracks ins Feld, die eine Entwicklung hin zu härteren Sounds suggerieren. Es gipfelt dann mit „Blaze A Fire Dub“ und „Hail Up Dub“ in einem ziemlich kompromisslosen Steppers-Style – gewissermaßen dem evolutionäre Endzustand, der Krönung der Dub-Schöpfung. Naja, mal schauen, was danach kommt.

Frankreich ist das neue Zuhause von Dub. Hier entstehen (zumindest gefühlt) so viele Dub-Produktionen, wie nirgendwo sonst auf dem Globus. Dabei pflegen die französischen Knöpfchendreher einen recht traditionellen Stil, als hätten sie den Staffelstab von den Briten weitergereicht bekommen. Im vorderen Feld laufen Antoine und Joris, die unter dem Namen Mahom seit 2011 inzwischen vier Dub-Alben veröffentlicht haben. Ihr neustes Werk ist „Fell In“ (Flower Coast) und präsentiert 12 saubere Dub-Tracks. Der Sound besteht aus purer Elektronik, ist ziemlich reduziert – dafür aber bassgewaltig. Die Rhythms wälzen sich langsam und zäh aus den Lautsprechern, werden manchmal mit etwas Gesang unterstützt und verlassen sich ansonsten auf das Motto: „Weniger ist mehr“. Über Samples werden Assoziationen an House oder Worldmusic geweckt – oder gar an Dup-Poetry. Mein Favorit: „The Big Empty“, ein ruhiges Stück, das mich unweigerlich an Dreadzone denken lässt. Besonders betörend ist der mit leiser Stimme von Lisoun gesprochene, melancholische Text über ihre Frustrationen und Sehnsüchte. Passt gut zu Dub. Das Album steht bei Bandcamp zum kostenlosen Download bereit.

Im Dub-Kontext taucht der Name Jah Wobble immer mal wieder auf, obwohl seine Musik sich dem Genre gar nicht zuordnen lässt. Meine Theorie: Der Name macht’s – und seine Profession als Bassist. Bekanntlich startete Mr. Wobble seine Karriere bei der Post-Punk-Band Public Image Ltd., deren Sound er durch seine Reggae-ähnlichen Basslines stark beeinflusste. Seit den 1980er Jahren wandelte er auf Solo-Pfaden, erfand sich und seine Musik mehrfach neu und landete zuletzt bei Worldmusic. Letztes Jahr veröffentlichte er so etwas wie seine musikalische Autobiographie in Form einer 6-CD-Box. Beeindruckend, aber für Dubheads denkbar uninteressant. Erst seine diesjährige Retrospektive entspricht genau dem, was wir alle von seinem Namen schon immer erwartet hatten: „In Dub“ (Cherry Red Records). Es handelt sich um eine Compilation der 34 Tracks seiner Karriere, die nach eigener Aussage „am stärksten Dub-beeinflusst sind“. Das Spektrum reicht dabei von seinem Frühwerk aus den 1980er Jahren bis in die unmittelbare Gegenwart. Wer jetzt astreinen Reggae-Dub erwartet, liegt trotzdem falsch. Wobbles Dub-Verständnis beruht auf Hall, Echo und vor allem Bass – nicht jedoch auf Reggae-Offbeats. Und natürlich auf verrückten Sound-Experimenten, die meist aus einem Mix diverser Genres und Musikkulturen bestehen. So gesehen also ein, trotz seiner Länge, sehr kurzweiliges Album, auch wenn es mit Dub in unserem Sinne nicht allzu viel zu tun hat.

Unzählige Dub-Alben verorten ihre Musik assoziativ im Weltall, obwohl es im luftleeren Raum bekanntlich totenstill ist. Von Echos keine Spur. Da ist es schon viel sinnvoller, unter die Wasseroberfläche zu gehen und Assoziationen an Echolot-Sounds zu bemühen. Unsere vier Lieblings-Schweizer-Dubheads Dub Spencer & Trance Hill machen mit ihrem neuen Album „Deep Dive Dub“ (Echo Beach) genau das. Auch wenn es sound-seitig keine Unterwasser-Anklänge gibt, so stimmt doch die Atmosphäre: dunkel, bleischwer und hypnotisch-halluzinativ, wie im Tiefenrausch: das Ganze natürlich unverkennbar live handgespielt und gar nicht mehr so elektronisch anmutend, wie auf ihrem letzen Album „Physical Echoes“. Eigentlich produzieren die Schweizer lupenreinen Dub mit Jazz-Sound. Eine eigenwillig hybride Musik, die meiner Vorstellung von Dub gleichermaßen ent- wie auch widerspricht. Manchmal kann ich mich nur schwer entscheiden, ob ich ihrer Faszination erliegen soll, oder ob ich auf Distanz bleibe. Das aktuelle Album macht es mir in dieser Hinsicht besonders schwer, da ihm die sonst üblichen Köder, wie eingängige Melodien oder bekannte Riddims, weitgehend fehlen. Eine spröde, komplexe und anspruchsvolle Musik, die ihre wahre Kraft live in concert am besten entfaltet, in der dichten Atmosphäre kleiner Venues und in der Gemeinschaft eines eingeschworenen Publikums. Auf Platte will der Funke diesmal leider nicht so richtig überspringen.

Wer seinen Dub schön schräg und experimentell mag, der sollte hier mal reinhören: „Dubs“ von L. U. K. L. Ein wirklich spannendes Album, dem es bravourös gelingt, Sound-Experimente und harmonischen Flow miteinander zu verbinden. Die Beat-Basis wird – obschon einige Beats durchaus ziemlich vertrackt sind – niemals in Frage gestellt und bildet das Fundament für nicht selten schräge Arrangements und Instrumentierungen, merkwürdige Samples und verblüffende Sounds einerseits und meditativ-gelassene Grooves andererseits. Dabei folgt L. U. K. L. nicht immer Reggae-Offbeats, bleibt soundtechnisch aber stets kompatibel. Über den mysteriösen L. U. K. L. ist übrigens kaum etwas heraus zu bekommen. Eine investigative Web-Recherche offenbarte immerhin so viel: Hinter den vier Buchstaben steckt Lutz Kloppe, ein in experimentellen, elektronischen Sounds beheimateter (wahrscheinlich) Kölner DJ, der seine Spuren im Netz offenbar aktiv verschleiert. Aber wer die Tracks erzeugt, ist ja eigentlich auch egal. Wichtig ist, was hinten raus kommt – wie unser Altkanzler schon wusste. Und das ist richtig spannend, wenn auch nicht sonderlich populär: Spotify listet für L. U. K. L. nur 17 monatliche Hörer. Kann sein, dass ich das ganz alleine war.

Keith Hudsons „Pick A Dub“ (VP) ist Kult, gehört zum Reggae-Weltkulturerbe und wurde von der UNESCO zu einem der sieben Weltwunder erklärt. Mit den Lobeshymnen über dieses Album ließen sich ganze Bücher füllen. Hört man es heute, drängen sich doch Fragen auf wie: Klingt so ein Meisterwerk? Oder besser: Klang so ein Meisterwerk? Nun: hier hilft ein Blick auf die Rezeption in ihrer historischen Dimension: „Pick A Dub“ erschien 1974 in England und war damit eines der ersten Dub-Alben (wenn auch definitiv nicht das Erste, wie gelegentlich zu lesen ist). Gemessen an dem, was die Welt an Musik zu diesem Zeitpunkt kannte (auch mit Blick auf Reggae), ist die Erfindung des Dub als Innvoationsleistung jamaikanischer Produzenten und Studioingenieure gar nicht hoch genug zu schätzen. Dub war radikal neu und ungehört – eine Sensation. Und wenn Dub schon radikal neu war, dann war „Pick A Dub“ seine bis dahin radikalste Manifestation. Die Faszination, die ein Album wie „Pick A Dub“ Anfang der 1970er Jahre auf seine Hörer ausübte, ist aus heutiger Sicht kaum mehr nachvollziehbar. Heute, im Zeitalter der musikalischen Globalisierung, sind neue Sounds, extreme Beats, schräge Dub-Experimente und unzählige Spielarten des Reggae an der Tagesordnung. Hört man heute „Pick A Dub“, so ist es, als würde man eine alte Schwarzweissfotografie anschauen. Neben den bunten, prallen, bewegten Bildern unseres Alltags kann sich das alte Foto kaum behaupten. Doch als sich Mitte des 19. Jahrhunderts die sichtbare Welt wie durch Geisterhand von selbst auf einer silberbeschichteten Glasplatte ablichtete, war das Foto eine Sensation unfassbaren Ausmaßes. Was uns heute an dem Foto interessiert, ist nicht mehr die schlichte Tatsache seiner Existenz, sondern seine historische Authentizität. Es ist ein historischer Zeitzeuge, sagt etwas über Leben und Kultur der Zeitgenossen aus. Doch rein formalästhetisch hat es natürlich längst nicht mehr das Zeug zu einer Sensation. Mir geht es mit „Pick A Dub“ genau so: Die Musik hat eine beeindruckende, historische Aura, aber die ihr einst innewohnende Kraft ist leider nicht mehr nachvollziehbar. Was vor vierzig Jahren radikal neu war, der minimalistische Drum & Bass-Sound, der betonte Bass und der Dub-Mix überhaupt, ist heute klassischer Standard. Daher muss ich gestehen, dass mich meine mangelnde Begeisterung beim Hören des Albums etwas betrübt. Wie gerne würde ich die Aufregung der frühen 70ies-Dub-Entdecker angesichts dieses epochalen Albums erleben. Tja, aber das ist leider die Ungnade der späten Geburt. Apropos Geburt: „Pick A Dub“ hat bereits einige Inkarnationszyklen hinter sich. So wurde es im Laufe der 1970er Jahre gleich mehrfach veröffentlicht und war 1994 das dritte Album des Blood & Fire-Labels – jedoch immer mit dem originalen Umfang von 12 Tracks. Nun erscheint es erstmals mit acht Bonus-Tracks – meist Vocal-Versions – und remastert von Kevin Metcalfe.