Kategorie: Review

Unzählige Dub-Alben verorten ihre Musik assoziativ im Weltall, obwohl es im luftleeren Raum bekanntlich totenstill ist. Von Echos keine Spur. Da ist es schon viel sinnvoller, unter die Wasseroberfläche zu gehen und Assoziationen an Echolot-Sounds zu bemühen. Unsere vier Lieblings-Schweizer-Dubheads Dub Spencer & Trance Hill machen mit ihrem neuen Album „Deep Dive Dub“ (Echo Beach) genau das. Auch wenn es sound-seitig keine Unterwasser-Anklänge gibt, so stimmt doch die Atmosphäre: dunkel, bleischwer und hypnotisch-halluzinativ, wie im Tiefenrausch: das Ganze natürlich unverkennbar live handgespielt und gar nicht mehr so elektronisch anmutend, wie auf ihrem letzen Album „Physical Echoes“. Eigentlich produzieren die Schweizer lupenreinen Dub mit Jazz-Sound. Eine eigenwillig hybride Musik, die meiner Vorstellung von Dub gleichermaßen ent- wie auch widerspricht. Manchmal kann ich mich nur schwer entscheiden, ob ich ihrer Faszination erliegen soll, oder ob ich auf Distanz bleibe. Das aktuelle Album macht es mir in dieser Hinsicht besonders schwer, da ihm die sonst üblichen Köder, wie eingängige Melodien oder bekannte Riddims, weitgehend fehlen. Eine spröde, komplexe und anspruchsvolle Musik, die ihre wahre Kraft live in concert am besten entfaltet, in der dichten Atmosphäre kleiner Venues und in der Gemeinschaft eines eingeschworenen Publikums. Auf Platte will der Funke diesmal leider nicht so richtig überspringen.

Wer seinen Dub schön schräg und experimentell mag, der sollte hier mal reinhören: „Dubs“ von L. U. K. L. Ein wirklich spannendes Album, dem es bravourös gelingt, Sound-Experimente und harmonischen Flow miteinander zu verbinden. Die Beat-Basis wird – obschon einige Beats durchaus ziemlich vertrackt sind – niemals in Frage gestellt und bildet das Fundament für nicht selten schräge Arrangements und Instrumentierungen, merkwürdige Samples und verblüffende Sounds einerseits und meditativ-gelassene Grooves andererseits. Dabei folgt L. U. K. L. nicht immer Reggae-Offbeats, bleibt soundtechnisch aber stets kompatibel. Über den mysteriösen L. U. K. L. ist übrigens kaum etwas heraus zu bekommen. Eine investigative Web-Recherche offenbarte immerhin so viel: Hinter den vier Buchstaben steckt Lutz Kloppe, ein in experimentellen, elektronischen Sounds beheimateter (wahrscheinlich) Kölner DJ, der seine Spuren im Netz offenbar aktiv verschleiert. Aber wer die Tracks erzeugt, ist ja eigentlich auch egal. Wichtig ist, was hinten raus kommt – wie unser Altkanzler schon wusste. Und das ist richtig spannend, wenn auch nicht sonderlich populär: Spotify listet für L. U. K. L. nur 17 monatliche Hörer. Kann sein, dass ich das ganz alleine war.

Keith Hudsons „Pick A Dub“ (VP) ist Kult, gehört zum Reggae-Weltkulturerbe und wurde von der UNESCO zu einem der sieben Weltwunder erklärt. Mit den Lobeshymnen über dieses Album ließen sich ganze Bücher füllen. Hört man es heute, drängen sich doch Fragen auf wie: Klingt so ein Meisterwerk? Oder besser: Klang so ein Meisterwerk? Nun: hier hilft ein Blick auf die Rezeption in ihrer historischen Dimension: „Pick A Dub“ erschien 1974 in England und war damit eines der ersten Dub-Alben (wenn auch definitiv nicht das Erste, wie gelegentlich zu lesen ist). Gemessen an dem, was die Welt an Musik zu diesem Zeitpunkt kannte (auch mit Blick auf Reggae), ist die Erfindung des Dub als Innvoationsleistung jamaikanischer Produzenten und Studioingenieure gar nicht hoch genug zu schätzen. Dub war radikal neu und ungehört – eine Sensation. Und wenn Dub schon radikal neu war, dann war „Pick A Dub“ seine bis dahin radikalste Manifestation. Die Faszination, die ein Album wie „Pick A Dub“ Anfang der 1970er Jahre auf seine Hörer ausübte, ist aus heutiger Sicht kaum mehr nachvollziehbar. Heute, im Zeitalter der musikalischen Globalisierung, sind neue Sounds, extreme Beats, schräge Dub-Experimente und unzählige Spielarten des Reggae an der Tagesordnung. Hört man heute „Pick A Dub“, so ist es, als würde man eine alte Schwarzweissfotografie anschauen. Neben den bunten, prallen, bewegten Bildern unseres Alltags kann sich das alte Foto kaum behaupten. Doch als sich Mitte des 19. Jahrhunderts die sichtbare Welt wie durch Geisterhand von selbst auf einer silberbeschichteten Glasplatte ablichtete, war das Foto eine Sensation unfassbaren Ausmaßes. Was uns heute an dem Foto interessiert, ist nicht mehr die schlichte Tatsache seiner Existenz, sondern seine historische Authentizität. Es ist ein historischer Zeitzeuge, sagt etwas über Leben und Kultur der Zeitgenossen aus. Doch rein formalästhetisch hat es natürlich längst nicht mehr das Zeug zu einer Sensation. Mir geht es mit „Pick A Dub“ genau so: Die Musik hat eine beeindruckende, historische Aura, aber die ihr einst innewohnende Kraft ist leider nicht mehr nachvollziehbar. Was vor vierzig Jahren radikal neu war, der minimalistische Drum & Bass-Sound, der betonte Bass und der Dub-Mix überhaupt, ist heute klassischer Standard. Daher muss ich gestehen, dass mich meine mangelnde Begeisterung beim Hören des Albums etwas betrübt. Wie gerne würde ich die Aufregung der frühen 70ies-Dub-Entdecker angesichts dieses epochalen Albums erleben. Tja, aber das ist leider die Ungnade der späten Geburt. Apropos Geburt: „Pick A Dub“ hat bereits einige Inkarnationszyklen hinter sich. So wurde es im Laufe der 1970er Jahre gleich mehrfach veröffentlicht und war 1994 das dritte Album des Blood & Fire-Labels – jedoch immer mit dem originalen Umfang von 12 Tracks. Nun erscheint es erstmals mit acht Bonus-Tracks – meist Vocal-Versions – und remastert von Kevin Metcalfe.

Jeder kennt Dicky Burton’s Hymne „Beware, god is watching you“, produziert von Yabby You. Hier gibt’s nun die Dub-Versions dazu: „Beware Dub“ (Pressure Sounds). Und das gleich in zwei Versionen: Das fantastische Dub-Original sowie ein bisher unveröffentlichter und selbst aus heutiger Sicht absolut außergewöhnlicher Mix, der nur aus Orgel-Offbeats und Gesang besteht. Ein schöner Auftakt zu einer gelungenen Wiederveröffentlichung dieses legendären Albums von 1978. Ein Album übrigens, das anders als andere Dub-Werke von Yabby You, nicht in einem Zug als Dub-Album produziert und gemixt wurde, sondern tatsächlich so etwas wie ein Yabby You 7“-B-Seiten-Sampler war. Die Rhythms wurden von den Revolutionaries und den Gladiators eingespielt und die Dubs wahlweise von King Tubby oder Prince Jammy gemixt. Neben den zehn Tracks des Originals, wurde das Rerelease um weitere sechs Tracks ergänzt, von denen vor allem das Tommy McCook-Instrumental „Sensiena“ besonders erwähnenswert ist.

Eines der besten Dub-Alben des letzten Jahres kommt aus Frankreich: „Talk the Talk“ (Jarring Effects) von Brain Damage, aka Martin Nathan. Es ist die Dub-Version seines letztjährigen Roots-Albums „Walk the Walk“, auf dem er eine ganze Schar illustrer Foundation-Artists wie Horace Andy, Willi Williams, Winston McAnuff, Kiddus I, Ras Michael u. a. versammelte und sie im jamaikanischen Harry J-Studio aufnahm. (Eine schöne Dokumentation der Aufnahmen ist hier zu finden). Beste Voraussetzungen also für ein brillantes Dub-Werk mit schönen Vocal-Passagen, feinen Melodien und natürlich soliden Beats. Und genau das ist „Talk the Talk“ auch geworden – zumindest das Wenige, was davon zu hören ist, denn das Album hat einen ganz entscheidenden Makel: Die Tracks laufen erheblich zu kurz, maximal vier Minuten (es gibt aber auch Tracks, die über 2,5 Minuten nicht hinaus kommen). Viel zu wenig, um alles das unterzubringen, was Martin zu bieten hat: Seine hervorragenden Rhythms, sein Mix, die gesungenen Melodien und dann noch eingesampelte Interview-Fragmente, in denen die Artists – dem Konzept von „Walk the Walk“ folgend – aus ihrer Kindheit und Jugend erzählen. Der Detailreichtum von Martins Sound, die sensible, ausgewogene Komposition, die Wärme und Seele seiner Stücke, sein feiner, überlegter Mix – alles das hätte erheblich mehr Raum benötigt. Vielleicht fehlte ihm der Mut, die Stimmen der von ihm verehrten Sänger radikal zu kürzen und seine Rhythms selbstbewusst ins Zentrum des Geschehens zu stellen und ganz auf seine musikalische Qualität zu vertrauen. Hätte er neben seinen musikalischen Fähigkeiten auch diesen Mut besessen, dann hätten wir hier wahrscheinlich das beste Dub-Album des Jahres vorliegen. Lange Rede, kurzer Sinn: Ich will den extended Directors Cut!

Man sagt mir nach, ich hätte was gegen Steppers. Um das mal klar zu stellen: Das stimmt ganz und gar nicht. Wie für jeden Sound, gibt es auch für Steppers den perfekten Ort, die perfekte Gelegenheit, die perfekte Stimmung. Meiner Ansicht nach, ist das natürliche Habitat von Steppers das Soundsystem. Zuhause auf dem Sofa funktioniert er aber auch – sofern die Lautsprecherboxen groß genug und die Nachbarn aus dem Haus sind. Dann kann es großen Spaß machen, Musik physisch zu erleben und im allumfassenden Bass-Allover zu versinken. Ärgerlicherweise gibt es aber viel zu wenig Steppers–Nachschub, der neben dem körperlichen Erlebnis, auch ein Mindestmaß an Unterhaltung für den Kopf bietet (ja, auch bei viel Bass kann man sich langweilen). Die meisten guten Produktionen fristen ihr Dasein auf Dubplates und werden nur live zum besten gegeben. Wer den Sound zuhause erleben möchte, kann in das Sammeln von 12“-Singles oder EPs einsteigen. Wer aber – wie ich – das Albumformat liebt, sitzt oft auf dem Trockenen. Hin- und wieder gibt es allerdings doch einen Lichtblick, der ein paar gute Stunden auf dem Sofa verspricht: „Some Good Days“ (Odgprog) von Tiburk zum Beispiel. Der Franzose liefert hier idealtypischen Steppers – hart, kompromisslos, mit wuchtigen Basslines – aber auch mit recht hübschen, kleinen Melodien, interessanten Arrangements, abwechslungsreichen Breaks und gewitztem Mix. Wenn er jetzt noch ein wenig vom Elektro-Synthie-Sound ablassen würde, wäre seine Musik perfekt – fürs Soundsystem und fürs Sofa.