Meine Reggae-Sozialisierung habe ich zu großen Teilen einem Mann zu verdanken: David Rodigan. Er schickte in den 1980ern seine zweistündige Radioshow „Rodigans Rockers“ via BFBS in die Wohnzimmer hiesiger Reggae-Fans. Danach war er lange Zeit bei Kiss FM im Programm, das aber in Deutschland nicht empfangen werden konnte. Nachdem Kiss seine Reggae-Sendung auf immer unattraktivere Sendeplätze verschoben hatte (zum Schluss war es Sonntagnacht um 0 Uhr), kündigte Rodigan und heuerte bei der BBC an. Heute lief seine neue Sendung zum ersten Mal. Hier in Deutschland lässt sie sich via Internet verfolgen – und sollte man sie verpassen, so kann man sie auf der BBC-Seite nachholen. Da werden Erinnerungen wach. Welcome Back!
Rodigan auf BBC 1Xtra
The Breadwinners: Dubs Unlimited
Wir sind versessen auf Neues. Nirgendwo sonst wird Innovation so hoch geschätzt wie bei uns, im westlichen Babylon-System (und die Jamaikaner machen da bekanntlich keine Ausnahme). Anders als z. B. in Japan, wo es als hohe Kunst gilt, ein Handwerk perfekt zu beherrschen und jene gepriesen werden, die beispielsweise ein Samurai-Schwert in absoluter Perfektion schmieden oder ein klassisches Gericht in höchster Vollendung zubereiten können, spielt handwerkliche Qualität bei uns eine ganz und gar untergeordnete Rolle. Als wahrer Künstler gilt nur, wer etwas (wenn auch nur vermeintlich) Innovatives leistet – unabhängig von seiner handwerklichen Fähigkeit. Hauptsache die Idee ist neu. Diese Haltung führt dazu, dass manch Schönes gering geachtet wird. Sie führt andererseits aber auch dazu, dass wir nicht beim bereits Erreichten verharren, sondern uns auf der Suche nach Neuem vom Fleck bewegen und spannende Möglichkeiten entdecken. Aber der Drang nach Innovation und die Freude an Bewährtem müssen sich ja nicht ausschließen. Mich kann beides begeistern: Das Album eines Experimentierers, der die Grenzen des Genres sprengt – auch auf Kosten der Schönheit. Aber auch: Das Werk eines Traditionalisten (oder besser: Postmodernisten), der in seiner Musik versucht, dem Ideal des Sounds einer ganz bestimmten Epoche möglichst nahe zu kommen. Prince Fatty habe ich dank seiner meisterhaften Beherrschung dieser Kunst hier schon des öfteren gefeiert. Nun bekommt er Gesellschaft von einem Landsmann, der zwar (noch) nicht so produktiv ist wie Fatty, dafür aber genau so gut: Alan Redfern aka The Breadwinners. Der Künstlername lässt eine ganze Band vermuten – und genau das ist Redfern auch. Eine One-Man-Band, denn er spielt nicht nur Schlagzeug, Bass, Keyboards, Gitarre, Perkussion und Harfe (!), sondern komponiert auch seine Musik, nimmt sie auf und mixt sie außerdem noch zu grandiosen Dubs. In den letzten fünf Jahren hat der 34-jährige hunderte Tracks aufgenommen. 15 davon sind nun auf seinem Debut-Album zu hören: „Dubs Unlimited“ (King Spinna Records) – und diese 15 Tracks sind der perfekte Sound, um auch das neue Jahr 2013 mit dem Vibe der 1970er zu infizieren. Denn was Mr. Breadwinners hier mit seinen 15 kurzen und bescheidenen Tracks veranstaltet, ist nichts weniger als eine veritable Renaissance von Lee Perrys Black Ark-Sound sowie die Reinkarnation der late 70ies Roots Radics. Warum man sich das anhören sollte, obwohl der Schrank voll steht mit originalen Perry-Aufnahmen und unzähligen Roots-Radics-Alben? Aus dem gleichen Grund, weshalb man sich einen Tarrantino-Film anschaut: Es macht einfach Spaß, den postmodernen Zitaten nachzuspüren, den „alten“ Sound in einer von Kevin Metcalfe perfekt gemasterten Qualität zu genießen und zudem noch ausgesprochen schönen Kompositionen und Arrangements zu lauschen.
Hörprobe bei iTunes
Dreadsquad: The Riddim Machine Versions
Mittlerweile entsteht nahezu überall in Europa vorzüglicher Reggae: Frankreich, England, Italien, Deutschland: alles große Reggae-Nationen. Neudings gehört auch Polen dazu. Den Verdienst daran trägt allein ein Produzent aus Lodz: Marek Bogdanski a.k.a. Dreadsquad! Seit 2001 hat er einige wunderbare, vor Energie sprühende Rhythms zusammengeschraubt, die musikalisch irgendwo zwischen Ska, Early Reggae und Dancehall angesiedelt sind. Im Laufe der Zeit wurden sie von einer Vielzahl europäischer und jamaikanischer Artists gevoiced (Ward 21, Tenor Fly, Top Cat, General Levy, U Brown, Milion Stylez, Lady Chann, Tipa Irie, Jah Mason, Perfect, Dr Ring Ding) und in Form von wenigen Solo-Alben und vielen Singles (die allerdings zu One-Rhythm-Samplern kompiliert wurden) veröffentlicht. Letztes Jahr erschien mit „The Riddim Machine“ ein Best Of Dreadsquad, das bei mir lange Zeit in Dauerrotation lief. Nun, ein Jahr später, erscheint – nein, leider nicht das dazu passende Dub-Album, sondern „nur“ ein Version-Album, mit den weitgehend ungemixten Rhythms. Es trägt den passenden Titel „The Riddim Machine Versions“ (Superfly Studio Poland) – und, was soll ich sagen: I’m loving it! Grandiose Instrumentals, bei denen es nicht verwundert, dass sie die oben genannten Artists zu hervorragenden Songs inspirierten. Neben Original-Kompositionen gibt es dort auch klasse Reworkings von Riddims wie Sleng Teng oder Stalag zu hören. Das macht Spaß! Jetzt warte ich nur noch auf das Dub-Album – oder wahlweise auf neues Material. Hauptsache Nachschub aus dem Osten.
Hörprobe bei Juno
Studio One Ironsides
Ich liebe die Musik aus Coxsones Studio One. Doch leider, leider habe ich meine nette, gar nicht so kleine Studio One-Kollektion im Laufe meiner nunmehr über dreißigjährigen Leidenschaft für Reggae so of gehört, dass mich die Songs – auch wenn sie noch so fantastisch sind – nicht mehr so richtig reizen. Doch nun hat das Souljazz-Label, dass sich in den letzten Jahren ja sehr um die Aufarbeitung des Studio One-Katalogs verdient gemacht hat, ein Album heraus gebracht, dessen Reiz ich vollkommen erlegen bin: „Studio One Ironsites“. Obwohl das Album auch einige der großen Studio One-Klassiker enthält, mischt es diese so geschickt mit rarem, nahezu ungehörtem Material, dass es für mich geradezu einer Neuentdeckung des guten alten Studio Ones gleichkommt.
Hörprobe bei iTunes
Freddie McGregor: Di Captain
Vor 50 Jahren begann die musikalische Karriere von Freddie McGregor. Bereits als siebenjähriger nahm er im Studio One erste Stücke auf – zunächst als Background-Sänger, später unter seinem eigenen Namen. Nun legt er nach achtjähriger Wartezeit ein neues Album vor, weitgehend produziert von C. & R. McLeod und seinem Sohn Stephen „Di Genius“ McGregor. Herausgekommen ist eine Mischung weniger mäßiger neuer Songs und einer Menge sehr schöner Cover-Versionen (George Benson, The Beatles, Bob Marley, Mighty Diamonds, Heptones und von sich selbst: F. McGregor). Insgesamt ein schönes Album. Die wenigen Schnulzen muss man einfach überhören.
Hörprobe bei iTunes
Zenzile Meets High Tone: Zentone
Re-Release der ursprünglich 2006 erschienenen Kollaboration der beiden französischen Dub-Acts Zenzile und High Tone auf Jarring Effects. 2005 ging man gemeinsam auf Tour und schnell war die Idee eines gemeinsamen Albums geboren. Wie zu erwarten, changiert das Album zwischen lupenreinem Dub und Elektronic-Spielereien. Grundsolide Qualität ohne Höhenflüge, aber auch ohne Abstürze.
Hörporbe
Diese Interview, das ich 2002 mit Lee Perry führte, ist mir gerade wieder in die Finger gefallen. Beim jetzigen Wiederlesen habe ich mich köstlich amüsiert. Ich hatte schon ganz vergessen, wie absurd-komisch unser Gespräch von vor 11 Jahren war.
Lee Perry, der Madman himself hat den Wahnsinn zur Methode gemacht. Er ist – in der Inkarnation des Pipecock Jackxon – aufgebrochen die Welt zu retten und die Verdammten zu entvoodooisieren. Sein Werkzeug ist nicht mehr das Mischpult (wie in früheren Tagen), sondern ausschließlich das Wort, sein Wort. Denn was uns Mr. Perry in seinen späten Aufnahmen und auf der Bühne bietet, sind Worte. Zusammenhanglos, zufällig, verrückt. Als lebende Legende wird er durch die Konzertsäle und Studios der Welt gezerrt und bietet ein tragisches Bild verlorener Größe. Soeben absolvierte Lee Perry eine Tour mit Mad Professor, auf der er sich mit Spiegeln und Amuletten behängt präsentiert und Texte wie: „I have Jesus Christ on my cock, Selassie on my back, Marcus Garvey on my leg, and Jews in my shoes“ zum besten gab. Im anschließenden interview offenbarte er, dass er Dollarnoten unter den Schuhsohlen trägt und erklärte, dass er der Herrn der Ringe sei.
Hallo Mr. Perry, Sie sind für Ihre neue Platte „Jamaican e.t.“ wieder zu Trojan Records zurückgekehrt, die bereits in späten 60ern Ihre Platten lizensiert haben.
Die Platte ist nicht für Trojan oder jemanden speziell. Sie ist für alle Leute, die glauben, dass Gott sie retten wird. Es gibt so viele Lee Perry-Platten da draußen, von denen ich nichts weiß. Die Leute haben alle die Bänder von mir gestohlen.
Aber Trojan hat die Bänder doch nicht gestohlen?
Die Fans glauben, das seien Lee Perry-Platten, aber das sind sie nicht. Lee Perry ist ein guter Name! Ihn zu tragen ist Luxus. Da stimmt etwas nicht!
Aber Sie haben das Album doch selbst produziert – steht zumindest auf dem Cover.
Hör auf, mich für Sachen anzuklagen, die ich nicht gemacht habe.
Wer sind denn die Musiker, mit denen Sie auf „Jamaican e.t.“ zusammengearbeitet haben?
Die Platte ist mein Werk. Chris Blackwell hat sie von mir gestohlen.
Blackwell ist von Island-Records, nicht von Trojan…
Was ich von jetzt an mache, wird nicht mehr gestohlen! Denn da kommen keine jamaikanischen Komiker als Musiker.
Gut, wechseln wir das Thema: auf der Bühne sagten Sie, Sie glauben an Magie. Stimmt das?
Sicher. Magie ist meine Königin. Und Logik ist mein Gott. Außerdem glaube ich an Pussies.
Interessant. Wie läuft denn die Zusammenarbeit mit Mad Professor, mit dem Sie gerade auf Tour sind?
Er ist der einzige Schwarze mit dem ich noch zu tun habe. Ansonsten will ich mit keinem Schwarzen mehr zu tun haben.
Aber die Musiker auf der Bühne sind doch schwarz.
Ja, sie sehen schrecklich aus. Aber der weiße Bassist ist auch ein Idiot.
Warum wollen Sie keine Schwarzen mehr um sich haben?
Das sind Vampire. Die beißen zu tief – die kennen keine Gnade.
Äh…
Ich hoffe, du verzeihst mir, was ich sage, aber ich bin ein Wahrsager. Ich kann in deine Zukunft sehen. Die Schwarzen haben einen bösen Geist – ich will nicht, dass sie an meine Tür klopfen.
Wie kommen Sie darauf?
Alles war schwarz. Die Black Ark (Perrys Studio in den 70ern) war schwarz. Aber wenn zu viel Schwarz um dich herum ist, dann ist das böse. Denn da wo es schwarz ist, ist kein Licht.
Leben Sie immer noch in der Schweiz?
Ich hätte die Jahre nicht überlebt, wenn ich in Jamaika geblieben wäre. Ich wäre vom Pabst vergiftet worden. Deshalb möchte ich auch keinen Pabst hier in diesem Raum haben.
Mit welchen Gefühlen erinnern Sie sich an Ihre große Zeit in Jamaika?
Wenn ich mich an das erinnere, was dort passiert ist, dann möchte ich diese verdammte Insel in die Luft sprengen.
Sie sagten, dass auf Ihrem neuen Album (das übrigens bei Trojan erschienen ist) „Education“ und „Dancing“ zu finden wäre. Was verstehen Sie unter „Education“?
Wir haben diesen Song und jenen Tanz, Reinkarnation und Inkarnation. Wir konstruieren dort Knochen und Fleisch, Gehirne und Gene. Gene sind im Gehirn und erzeugen dort Gehirnwellen mit sofort-telepatischen, mentalen Befehlen. Alles kommt vom Schöpfer. Der Schöpfer ist omnipotent.
Warum tragen Sie diese mit Amuletten beklebte Mütze?
Die ist für die Juden (er nimmt die Mütze ab und zeigt uns, dass sie von innen mit Dollarnoten ausgekleidet ist). Ihr habt kein Geld in den Schuhen – aber was gibt euch das Recht zu glauben, dass auch ich kein Geld in den Schuhen habe? (er zieht seine Schuhe aus, holt die Sohle heraus und zeigt uns, dass sie von unten mit Dollarnoten beklebt ist.)
Warum ist das Geld in der Mütze?
Das ist für die Menschen, die an mich glauben. Sie nähren sich an meinem Gehirn.
Und das Geld in den Schuhen? Das ist weit weg vom Gehirn.
Das ist für die Armen, die auf der Straße um Brot betteln.
Hat Ihr T-Shirt auch eine Bedeutung?
Das zeigt meine Machete. Der Name meiner Machete ist Sabata.
Glauben Sie an Rastafari?
Wenn ich das nicht tun würde, wäre ich ja wie jeder andere. Wenn ich nicht an Rastafari glauben würde, müsste ich mir Soldaten und Polizisten zum Schutz holen.
Auf der Bühne sangen Sie auch von Jesus.
Wenn Jesus ein Weißer ist, glaube ich an ihn, wenn er ein Schwarzer ist, glaube ich auch an ihn.
Sehen Sie da keinen Widerspruch?
Weißt du, was Rastafari ist?
Ja.
Wenn du morgens dieses Wasserglas hier gegen die Sonne hältst, dann siehst du einen Regenbogen. Das ist Rastafari.
Ach so.
(Er nimmt das halb mit Wasser gefüllte Glas hoch und schüttet es aus) Wo kommt dein Lebensstrom her? Von Gott! Ich will nicht, dass Parasiten, die nicht an Gott glauben, in meine Show kommen. Wenn solche Parasiten da sind, kann ich die Leute nicht unterhalten, die an Gott glauben. Dann werde ich verrückt und kann nicht ordentlich arbeiten. Und es funktioniert!
Was für eine Bedeutung haben all die Spiegel, die Sie an ihrem Körper tragen?
Ich bin der Elementen-Mann. Bevor ich diesen Planeten betrat, beschloss ich, in dieser Farbe zu erscheinen. Ich bin pure Energie. Ich bin die Sonne, die scheint, ich bin die Sonne Jamaikas. Ich habe das Geld nicht gesucht – das Geld hat mich gefunden. Wenn ich auf der Bühne bin, sieht man dort 12 Planeten kreisen. Da oben ist kein Platz für menschliche Wesen. Ich bin kein menschliches Wesen – nur mein Fleisch ist menschlich.
Woher wissen Sie, dass Sie die Energie sind?
Weil durch mich die Energie spricht. Ich bin der Omnipräsente. Ich bin der Upsetter.
Wo wäre der Reggae heute ohne Ihren Beitrag?
Es gäbe keinen Reggae und es gäbe auch keine Welt ohne Lee Scratch Perry. Alles musste am Anfang beginnen – und ich bin der Anfang.
Sie repräsentieren die Welt?
Aber sicher! Ich bin Lee Scratch Perry. Ich mache alles anders. Es gibt so viele Menschen, die mit einem bösen Voodoo-Fluch belegt sind. Meine Aufgabe ist es, diese Menschen zu entvoodooisieren – selbst dann, wenn sie gar nicht wissen, dass sie voodooisiert sind. Ich bin der Heiler.
Sind Ihre Texte frei improvisiert, oder haben Sie sie einstudiert?
Sie kommen zu mir von dem Herrn der Ringe.
Wer ist der Herr der Ringe?
Er gab mir diesen Ring des Feuers vor 20 Jahren. Der Ring sprüht Feuer, das man nicht sehen kann. Sssssspashhhh, da kommen die Flammen. Und nach den Flammen öffnet sich der Himmel: Baahhhhhhhhhh! So war es.
Mister Perry, vielen Dank für das Interview.
Horace Andy: Broken Beats
Normalerweise läuft es so: Jemand nimmt ein Album auf, veröffentlicht es, schickt anschließend die Tracks zu befreundeten Musikern, welche Remixes produzieren, die dann ca. ein halbes Jahr nach der Veröffentlichung des Albums auf den Markt kommen. Es ist die gleiche Abfolge wie beim klassischen Dub-Album: erst die Gesangs-Version, dann die Dub-Versions. Doch ebenso wie der moderne Dub damit Schluss gemacht hat, das Derivat eines Gesangsalbums zu sein, so hat sich nun offensichtlich auch der Remix von einem bisher als zwingend vorausgesetzten „Original“ emanzipiert. Das Horace Andy-Album „Broken Beats“ (Echo Beach) ist nämlich direkt als Remix entstanden. Eine geniale Idee, die konsequent und bravurös umgesetzt wurde: Das Hamburger Label Echo Beach hatte Lust auf ein neues Horace Andy-Album mit einigen seiner klassischen Hits wie Skylarking, Money Money, Cuss Cuss sowie neuem Material und lud somit kurzerhand befreundete Dub-Acts und Remix-Produzenten wie Rob Smith, Dubblestandart, Fenin, Dub Spencer & Trance Hill, Felix Wolter u. a. ein, die Musik dazu beizusteuern. Doch statt auf alte Horace Andy-Aufnahmen zurückzugreifen, entstand das komplette Album neu. Der Clou: selbst Horace Andy sang seine Songs extra neu ein. Was als Kopf-Experiment hätte leicht in die Hose hätte gehen können, liegt nun als spannendes und betörendes Album vor, das konzeptuell wie musikalisch absolut State of the Art ist. Obwohl der individuelle Stil der beteiligten Musiker unverkennbar bleibt, fügen sich alle Tracks, die Vocal-Versions sowie die Dubs im zweiten Teil des Albums, zu einem geschlossenen Ganzen, das sich jenseits enger stilistischer Grenzen von Reggae und Dub bewegt. Vordergründig macht es das Album seinen Hörern nicht leicht. Beim flüchtigen Hineinhören wirken die Beats oft etwas sperrig, lassen sich keinen bekannten Kategorien zuordnen und bieten statt kraftvollem Wumms eher zurückhaltendes Understatement. Der wahre Schatz dieser Musik erschließt sich nämlich erst beim genauen Hinhören. Dann, wenn die ruhige Kraft der Beats und die in ihrer Komplexität verborgene Schönheit offenbar werden. Und genau dann ist man als Hörer unendlich dankbar, statt bekannte Styles wiedererkennend abzuhaken, in jedem der 15 Tracks neue Überraschungen zu erleben, neue akustische Entdeckungen zu machen und schließlich das (wieder) zu finden, wofür Dub eigentlich steht: Innovation.
Nachdem das im März erschienene Album „High Tone meets Brain Damage – High Damage“ meinen Glauben an das französische Dub-Duo nachhaltig erschütterte, ließ mich nun im Oktober, also nur sieben Monate später, das neue Brain Damage-Album „What You Gonna Do?“ erleichtert aufatmen. Hier stimmt glücklicherweise wieder alles: Dub-Music wie sie sein soll! Okay, eine Einschränkung gibt es: Es sind sechs Sänger mit von der Partie. Im engeren Sinne haben wir es hier also nicht mit einem reinen Dub-Album zu tun. Es handelt sich viel mehr um ein Showcase-Album, das uns zunächst sechs Vocal-Tracks und anschließend sechs Dub-Versions präsentiert. Aber ist das Vorhandensein von Gesang ein Ausschlusskriterium für Dub? Keineswegs, wie sich an diesem großen Album nachweisen lässt. Während bei einer klassischen Roots-Produktion die Musik (oft auch als „Backing“ bezeichnet) den „Hintergrund“ für den Gesang bildet, ist sie auf dem Album von Brain Damage dem Gesang ebenbürtig. Statt lediglich Rhythmus zu sein, steht sie selbstbewusst und eigenwertig neben dem Gesang. Sie ist so aufmersamkeitsstark und individuell ausgestaltet, dass es unmöglich ist, ihr nicht mit dem (mindestens) gleichen Maß an Konzentration und Hingabe zuzuhören wie den sechs Sängerstimmen. Es sind schlichtweg großartig komponierte Dubs, die auch ohne Gesang vollkommen überzeugen könn(t)en. Allerdings, und das muss hier unumwunden zugegeben werden, sind die Gesangsmelodien von Brother Culture, Learoy Green, Madu Messenger, Zeb McQueen und Sir Jean so gut, dass es schwer fiele, auf sie zu verzichten. Und deshalb ist es auch viel sinnvoller, genussvoll hinzuhören, statt sich über Schubladen den Kopf zu zerbrechen.
Shaky Norman: Universal Love
Die Melodika wird im Reggae auf ewig mit dem Namen Augustus Pablo verbunden sein. Die von Pablo geschaffene Symbiose aus Dub und Melodika prägte einen geradezu hypnotisierenden Sound, der Musiker bis heute fasziniert. So auch den Franzosen Shaky Norman, der sich eigentlich dem Punkrock verschrieben hat, aber seit vier Jahren Dubs mit seinen Melodika-Melodien verziert. Diese Werke präsentiert er nun auf seinem Album „Universal Love“ (http://shakynorman.bandcamp.com). Dabei versucht er sich gar nicht erst an der hohen Kunst der Dub-Produktion, sondern bedient sich der Musik mehr oder weniger renommierter Dubheads aus aller Welt: Dubatak (Brasilien), Bandulu Dub (Portugal), Don Fe (Spanien), Roots Ista Posse und Les Pigments Libres (beide Frankreich), Chaves (Malaga/Spanien), Mungo’s Hifi (Schottland), Jahspora (Frankreich), Jiang Liang (China) und Dub Caravan (England). Obwohl die Dubs aus so unterschiedlichen Quellen stammen, wirkt das Album überraschend geschlossen und harmonisch. Der Sound ist weich und warm und gewinnt durch das Melodikaspiel eine sanft melancholische Note. Um der Gefahr zu begegnen, mit dem wenig modulierbaren Melodika-Sound über die Länge von 14 Tracks irgendwann doch zu nerven, variiert Shaky Norman sein Spiel sehr geschickt: Mal ist die Melodika Solostimme, mal wird sie zum Rhythmusinstrument, dann tritt sie in die Funktion von klassischen Reggae-Bläsern, die nur eine kleine Hookline spielen. Gelegentlich gibt es sogar winzige Vokal-Schnipsel von Ranking Joe, Tippa Irie und Earl 16 zu hören, was zusätzlich für Abwechslung sorgt. – Ich denke, Shaky sollte den Punkrock an den Nagel hängen und sich sofort um das nächste Melodika-Album kümmern.










