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Chuck Foster: Dub Journey

Der amerikanische Reggae-Pionier Chuck Foster ist eine wichtige Persönlichkeit in der amerikanischen Musikszene. Als langjähriger Moderator der Sendung Reggae Central beim kalifornischen Radiosender KPFK hat er wesentlich dazu beigetragen, das Reggae-Feeling in der Bay Area zu verbreiten. Darüber hinaus ist er als erfolgreicher Musiker und Autor bekannt.

Sein neuestes und achtes Album „Dub Journey“ (Catch Me Time Records) ist die Dub-Version seines letztjährigen Song-Albums „Long Journey“. „Dub Journey“ ist ein Foster typisches Dub-Reggae-Album, das von erfahrenen Session-Musikern begleitet und aufgenommen wurde. Was mich an Chuck Fosters Alben ganz besonders begeistert, ist, dass seine Musik immer authentisch klingt und „live“ eingespielt wird. Auch in seiner aktuellen Band spielen wieder gestandene Musiker: So ist zum Beispiel Tony Chin, der Gitarrist von Soul Syndicate, erneut mit von der Partie. Ein weiteres Bandmitglied, John Morran, setzt mit seiner Violine und Mundharmonika interessante Akzente, was sich besonders schön und eindringlich im Stück „Ghost Story“ zeigt. Wie üblich wurden die Tracks im Rough Sounds Studio in Redondo Beach von Chuck und Mike Irwin gemischt, wobei Irwin auch für Bass und Melodica verantwortlich zeichnet. Gelegentlich ist Chucks Gesang fragmentarisch in den Tracks zu hören. Die Dubs sind solide in den ansprechenden Mix eingebettet, wobei die Herren nicht mit Soundeffekten geizen. Es gibt reichlich Echo und Hall. Aber wie schon auf den Vorgängeralben wird auch bei „Dub Journey“ auf übertriebene Effekte und Schnörkel verzichtet. Vielmehr fängt das Album erneut perfekt die Atmosphäre der prä-digitalen Reggae-Ära ein. Ein typisches Element aller Chuck Foster-Produktionen ist der häufige Einsatz schöner Gitarrensoli, was im Reggae nicht immer jedermanns Sache ist, aber sehr gut verdeutlicht, dass Chuck Foster aus der Westcoast-Rock- und Blues-Ecke kommt. Ein weiteres Beispiel dafür ist der „Shady Lady Dub“, der an das Shady Lady Motiv in vielen Westcoast-Songs der späten 60er Jahre erinnert. Mit dem Gitarrensound von „Riding In The Wind“ sind wir bei der Westernfilmmusik angelangt, mit der auch gerne ein Lee „Scratch“ Perry experimentierte. Der unverwechselbare, signifikante Gitarrensound taucht immer wieder auf und wurde zusammen mit dem Retro-Orgelsound zum Markenzeichen von Chuck Foster in fast allen seinen Kompositionen. Der Schlussakkord des Albums, „Way Out Dub“, besticht durch seinen Pablo-esken Sound und verleiht der gesamten musikalischen Reise eine Atmosphäre von Ruhe und Tiefe. Das Stück ist ein wunderbarer und gelungener Abschluss des Albums.

Bewertung: 4 von 5.
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Prince Fatty meets The Gorgon in Dub

Alleine mit der Person Edward O’Sullivan Lee, besser bekannt als Bunny „Striker“ Lee oder The Gorgon, könnte man hier Seiten füllen. Ohne Striker und selbstverständlich Osbourne Ruddock aka King Tubby sähe das Dub-Genre wahrscheinlich ganz anders aus. Die Zusammenarbeit der beiden ist und bleibt ein Meilenstein in der frühen Entwicklung des Dub. Bunny Lee war eine Ghetto-Größe, man könnte fast sagen eine Art Pate, einer, der fast alles regeln konnte. Bis zu seinem Tod im Oktober 2020 war er in Uptown Kingston genauso beliebt und respektiert wie bei den Sufferahs in Trenchtown. Bunny Lee fungierte oft als Vermittler, der auch Kredite vergab, Probleme löste und Geschäfte abwickelte. Als Byron Lee die Dynamik Studios modernisierte und sein altes Mischpult rauswarf, machte Striker den Deal perfekt, sodass King Tubby es kaufen konnte. So begann King Tubby mit einem richtigen Mehrspurstudio. Bunny Lee war von Anfang an von King Tubbys Arbeitsweise begeistert und die Produktionen der beiden sind und bleiben unerreicht. Jeder King Tubby Dub ist einzigartig. Tubby fügte die einzelnen Komponenten nicht mühselig zusammen, sondern startete einfach das Tape und legte live drauflos. Die Ergebnisse sind weithin bekannt und erfreuen sich immer noch großer Beliebtheit.

Der britische Produzent, Tontechniker und DJ Prince Fatty hat bereits die jüngeren Generationen an Reggae-, Soul- und Latin-Grooves herangeführt. Mit seinen eigenen Alben hat er sich den Ruf als einer der besten modernen Dub-Produzenten und Sound-Engineers der Welt erworben. Mit den ersten beiden Hollie Cook Alben, die er in den Jahren 2011 und 2014 produzierte, trug er einen wesentlichen Teil dazu bei, ein neues Kapitel des britischen Lovers Rock zu schreiben. In den vergangenen Jahren hat Prince Fatty durch verschiedene Singles eher dazu beigetragen, altgediente Künstler wie Little Roy, Winston Francis, Earl Sixteen sowie seinen Kollaborateur Horseman, der Schlagzeuger der britischen Gruppe Reggae Regular, in neuem Licht erscheinen zu lassen. Nach einer längeren Schaffenspause kehrt er mit dem Album „Prince Fatty meets The Gorgon in Dub“ (VP Records / Greensleeves) zu der Handwerkskunst zurück, die vor 50 Jahren von King Tubby, Prince Philip, Prince Jammy und vielen unbesungenen Helden kreiert wurde. Ein sorgfältig ausgewähltes Set von Masteraufnahmen aus der alten Bunny „Striker“ Lee / King Tubby-Ära wird von Fatty in die Gegenwart transferiert. Konzeptionell sieht die Idee vor, dass Prince Fatty die klassischen Sounds der verstorbenen jamaikanischen Musiklegenden Bunny „Striker“ Lee und King Tubby neu interpretiert. Das vorliegende Album ist mit seinen 10 Dubs also das klangliche Destillat einer interessanten Geschichte. Nachdem Prince Fatty auf die Sammlung archivierter Striker Lee Aufnahmen gestoßen war, nutzte der junge Dub-Produzent die Gelegenheit, die Versionen nach seinem eigenen Geschmack zu remixen. Ziel war es wieder einmal, die Tracks jüngeren Hörern zugänglich zu machen und das Feuer für Striker Lees Dub-Zeitgeist erneut zu entfachen. Für das echte Remixing hat Prince Fatty das Audiomaterial in den analogen Bereich transferiert: Er hat die Aufnahmen durch ein sorgfältig rekonstruiertes analoges Audiosystem geschickt, welches dem von King Tubby ähnelt. Das Ergebnis ist ein knackiges, modernes Dub-Meisterwerk, bei dem Fatty selbst den Status der Songs als Klassiker anerkennt.

Noch einige Anmerkungen zur gelungenen Songauswahl: Die Riddims stammen aus Linval Thompsons „Jah Jah A The Conqueror“, die mit Tommy McCooks Instrumental-Arrangements des gleichen Tracks verarbeitet wurden. Ebenfalls enthalten sind Jackie Edwards‘ „The Invasion“, das ursprünglich von Burning Spear bekannt ist. Gefolgt von Cornel Campbells „Press Along“, Horace Andys „Don’t Try To Use Me“ sowie Ronnie Davis‘ „Sun Is Shining“, das wir ursprünglich von Bob Marley kennen. Nachfolgend hören wir Barry Browns „Give Thanks & Praise“ und Rod Taylors „Garden Of Eden“. Die Riddims von Neville Browns „Prophesy“ sind auch von Don Carlos‘ „Late Night Blues“ bekannt. Bei Leroy Smarts „No Love“, kennt man das Instrumental auch als Horace Andys „Zion Gate“ und Don Carlos‘ „Ababajonoi“ geht auf das Instrumental „Real Rock“ von Jackie Mittoo und Vin Gordon zurück. Insgesamt ein neu bearbeitetes Dub-Album mit Klassikern für die moderne Ära, das in ein paar Jahrzehnten möglicherweise selbst zum Klassiker wird.

Bewertung: 4 von 5.
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Lee „Scratch“ Perry & Bob Riddim: Destiny

Am 29. August 2021 verstarb hochbetagt und doch für viele überraschend Rainford Hugh Perry aka Lee Perry aka Scratch aka The Upsetter aka Pipecock Jackxon. Einer, wenn nicht der Pionier des Reggae- und Dub-Genres. Der Mann, der nach eigenen Angaben mit 26 Jahren zum ersten Mal ein Tonstudio von innen gesehen hat und mit 30 seine erste Debütsingle „Old For New“ – eine treibende Ska-Nummer – veröffentlichte. Der „Salvador Dalí des Reggae“, wie ihn manche ehrfürchtig nannten, nahm sich der Wailers in ihren frühen Reggae-Zeiten an und formte sie zu dem, was sie später wurden – Weltstars. Bei den Upsetter-Sessions entstanden die Originalversionen von „Duppy Conqueror“, „Small Axe“, „Keep On Moving“, „Trenchtown Rock“, „400 Years“ und unzähligen anderen Klassikern.
Zwischen 1974 und 1979 produzierte Scratch in seinem Black Ark Studio mit relativ primitivem Equipment einige der fesselndsten Musikstücke des Jahrzehnts. Darunter große Hits wie Susan Cadogans populäre Coverversion von „Hurt so Good“, Junior Byles‘ hypnotisches Klagelied „Curly Locks“ und eine Reihe von Roots-Hymnen wie „Mistry Babylon“ von den Heptones, Max Romeos „Sipple Out Deh“ (aka „War in a Babylon“) und Junior Murvins schrilles „Police and Thieves“. Lee „Scratch“ Perry galt schon zu Lebzeiten als Rätsel, Exzentriker, Pionier und Genie zugleich, und irgendwie trifft jede Beschreibung auf ihre Weise zu, wobei die Grenzen zum Wahnsinn oft fließend waren. Der weltweit verehrte Grammy-Preisträger Lee „Scratch“ Perry hat den Reggae in akustische Gefilde geführt, die noch nie ein Mensch zuvor betreten hat, und dafür ist ihm mein Respekt für immer sicher.

All dies ist bereits ein wesentlicher und wichtiger Teil jamaikanischer Musikgeschichte. Etwas mehr als zwei Jahre nach seinem Tod erscheint nun sein letztes Album „Lee ‚Scratch‘ Perry: Destiny“ (Delicious Vinyl Island), an dem der Magier zusammen mit dem kanadischen Produzenten und Musiker Bob Riddim noch gearbeitet hat. Das Besondere an diesem Projekt sind die Kooperationen, die Bob Riddim, der die meisten Instrumentals selbst geschrieben und eingespielt hat, dem jamaikanischen Urgestein Perry vorschlug. Perry teilt sich das Mikrofon mit Sängerinnen und Sängern der jüngeren Generation. Evie Pukupoo, Gründungsmitglied der Gruppe The No-Maddz, ist mit seiner sanften Stimme im Titelsong des Albums zu hören, der auf einem modernen Roots-Reggae-Beat basiert. Wir hören klassische Elemente wie stark verhallte Snares und ein paar schöne Gitarrenlicks. Außerdem ist David ‚Jah David‘ Goldfine von den Zion I Kings mit einer brillanten Bassline zu hören. Kabaka Pyramid unterstützt das Projekt, indem er im Song „Black“ diejenigen anprangert, die Menschen nur aufgrund ihrer Hautfarbe beurteilen. Perry kehrt hier zu seinem Spoken-Word-Stil zurück und klingt auf dem Track fast wie ein geladener Gast. Xana Romeo, Tochter des nicht minder legendären Max Romeo, mit dem Lee Perry den Meilenstein „War Inna Babylon“ produzierte, kommt mit einer gelungenen und originellen Coverversion von „Police And Thieves“. Das 1977 von Lee Perry für den Sänger Junior Murvin produzierte Original wird diesmal in eine dubbigere Richtung verschoben, wobei Xana Romeo bei der Phrasierung recht nah am Original bleibt. Eine brillante Adaption des Originals, bei der Perry zeigt, dass er immer noch in der Lage ist, eine Gesangslinie mit Souveränität zu führen. Das Trio Leno Banton, Blvk H3ro und Wayne J bringt mit „Ring Pon My Finger“ einen eher urbanen Vibe um einen Hip-Hop-Beat im dubbigen Reggae-Style. Die Spiritualität von Yaadcore passt perfekt zu Perrys Welt auf „Infinity“. Nicht zu vergessen der Opener „I Am“, einem satten, dubbigen Stück, das an die glorreichen Tage von Black Ark erinnert. Es zeigt einen altersweisen, fast schon sprachlich zurückhaltenden Lee Perry, der weit von dem maschinengewehrartigen Gebrabbel entfernt ist, das bei ihm noch vor wenigen Jahren üblich war. Der zweite Track auf dem Lee Perry solo zu hören ist „Space Echo“, gliedert sich in drei Teile und wird mit schönem Nyahbinghi Drumming untermalt. Das über sieben Minuten lange Stück würde mir noch besser gefallen, wenn nicht Bernard Lanis mit seinem Saxofon immer die gleiche Melodie rauf und runter trällern würde.

Natürlich ist „Destiny“ kein Dub-Album im herkömmlichen Sinne geworden, aber das passt sehr gut zum Vermächtnis eines Lee Perry, denn seine Alben waren schon immer außergewöhnlich. Scratch und Bob Riddim schaffen mit ihren spacigen, repetitiven Patterns eine trippige, ätherische Atmosphäre, die den Dub auf eine ganz neue Ebene der psychedelischen Immersion hebt. Auf dem Album sind viele aufstrebende musikalische Talente Jamaikas zu hören, aber der Kitt, der das Album zusammenhält, ist meiner Meinung nach Lee Scratch Perry und sein unnachahmliches Können. „Destiny“ muss mit seinen neun Titeln als letzter kreativer Impuls dieser Reggae-Legende betrachtet werden und ist ein weiterer überzeugender Beweis – wenn es eines solchen überhaupt noch bedurfte – für Scratchs Fähigkeit, sich im Rhythmus der Generationen zu erneuern. R.I.P Lee ‚Scratch‘ Perry!

Bewertung: 4 von 5.
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Creation Rebel: Hostile Environment

Die On .U Sound-Legende Creation Rebel ist zurück. Über 40 Jahre nach der Veröffentlichung ihres letzten Albums „Lows & Hights“ (1982) erscheint heute ihr neues Album „Hostile Environment“ (On .U Sound).

Mit dem im März 1978 veröffentlichten Album „Dub From Creation“ betraten Creation Rebel als erste Dub-Band Großbritanniens Neuland und schlugen eine Brücke zwischen Reggae und Punk. Sie teilten sich die Bühnen mit The Clash und The Slits und veröffentlichten sechs Kultklassiker, bevor sie für über 40 Jahre von der Bildfläche verschwanden.

Ursprünglich waren die Creation Rebel als Studioprojekt geplant. Für ihre Arbeit am Dub-Klassiker „Crytuff Dub Encounter Chapter 1“ traten sie auch als The Arabs in Erscheinung. Das Dub-Verständnis von Creation Rebel war von Anfang an ein völlig anderes. Das schwarze, britische Kollektiv aus dem Nordwesten Londons entwickelte seine Dub-Tracks organisch in Jam-Sessions im Studio. Adrian Sherwood erzählt: „Die erste Session habe ich nur zum Spaß gemacht. Ich habe das Debütalbum „Dub From Creation“ für 200 Pfund aufgenommen, als ich ungefähr 18 Jahre alt war.“ Bei den Aufnahmen war noch Dennis Bovell der Engineer und das Album erschien auf dem Hit-Run Label. Schon bald wurden Creation Rebel die Begleitband von Prince Far I, dem jamaikanischen Toaster, dessen Stimme ihm den Spitznamen „Voice Of Thunder“ einbrachte. Die erste UK-Tournee von Prince Far I, an der auch sein Kollege Prince Hammer und Bim Sherman teilnahmen, brachte Creation Rebel landesweite Aufmerksamkeit und verhalf Prince Far I zu einem Vertrag mit Virgin Records.

Musikalisch waren Creation Rebel ihrer Zeit um Längen voraus. Das 1980 veröffentlichte „Starship Africa“ war eine dicht strukturierte Soundcollage, die das Gefühl einer intergalaktischen Reise imitierte und bei manchen Zeitgenossen der traditionellen Reggae-Szene beklemmende Gefühle hervorrief. Laut Adrian Sherwood konnte David Rodigan mit dem neuen Sound nichts anfangen: „Bis heute zuckt er zusammen, wenn er die Worte Creation Rebel hört.“ Es folgten die Alben Creation Rebel / New Age Steppers: Threat To Creation und Creation Rebel: Psychotic Jonkanoo. Das Album „Psychotic Jonkanoo“ erschien weniger als ein Jahr vor dem letzten Album der Band „Lows And Highs“. Das Material besteht aus einer Reihe von Songs im Conscious-Stil, die hauptsächlich von „Crucial“ Tony gesungen wurden. Besonders beim Opener „The Dope“ habe ich noch das stilvolle Saxophon von „Deadly“ Headley im Ohr, das sich dezent mit den Gesangslinien vermischt. Das gesamte Album wird durch die Arrangements und die Produktion auf ein höheres kreatives Niveau gehoben. Alles klingt sauber, knackig und einfallsreich, vor allem in den Instrumentalversionen und bei „African Space“, wo eine Wah-Wah-Gitarre fast zurückhaltend eingesetzt wird. Das folgende Album „Lows & Highs“ (1982) war schon radiotauglicher, aber „Lizard“ Logan wurde wegen Marihuana-Imports inhaftiert, und die Ermordung von Prince Far I im September 1983 war ein weiterer Rückschlag für die Band. Ihre Auftritte als Backing Band für Prince Far I waren mit einem Schlag traurige Geschichte. Die Bandmitglieder gingen getrennte Wege, Crucial Tony gründete die Band Ruff Cut, die anderen schlossen sich den Singers & Players und African Head Charge auf Sherwoods Label On .U Sound an.

Heute, nach über 40 Jahren, meldet sich das Trio, bestehend aus den Kernmitgliedern Crucial Tony, Charlie „Eskimo“ Fox und Mr. Magoo, mit einem neuen Album, „Hostile Environment“, zurück. Die hohe Qualität des ebenso fesselnden wie tiefgründigen Albums ist für mich keine große Überraschung. Die Liste der Gastmusiker ist beachtlich und auf den alten Studiotapes tauchten sogar Archivaufnahmen des verstorbenen DJs Prince Far I auf, die auf zwei Tracks zu hören sind. Gleich zu Beginn von „Swiftly (The Right One)“ wird die Stimme von Prince Far I in der Geschwindigkeit reduziert, bis er wie ein betrunkener Yeti klingt. Das ist nur ein kleiner Teil eines ziemlich verdrehten Dub-Schemas, zu dem auch einige ungewöhnliche Synthesizer-Einlagen des bekannten Reggae-affinen Musikers und Produzenten Gaudi gehören. Das Instrumentalstück „Stonebridge Warrior“ besticht durch eine schöne, temperamentvoll gespielte Melodica. Während bei „That’s More Like It“ sich das Tempo entschleunigt und die „Spaceness“ zunimmt. Mit wirbelnden Echos, Acid-Gitarren-Licks, explosiven, stotternden, technischen Spielereien liefern Creation Rebel den perfekten Soundtrack. Der folgende Track „Jubilee Clock“, das zweite Instrumentalstück in Folge, ist ein absolutes Lehrstück in Sachen basslastigem Slow-Motion-Dub. Bei „This Thinking Feeling“ wird Prince Far I am Mikrofon von Daddy Freddy unterstützt. Auf dem gefühlvollen „Whatever It Takes“ singt Denise Sherwood im Duett mit Mr. Magoo (alias Veral Rose). Für meinen Geschmack der poppigste Moment, den „Hostile Environment“ zu bieten hat. Weiter geht es mit den herrlich Dub-lastigen Tracks „Salutation Gardens“ und „Crown Hill Road“, die von überdurchschnittlichem instrumentalem Können zeugen. Dieser Aspekt wird durch den Track „The People’s Sound (Tribute to Daddy Vego)“ mit seiner Mischung aus Cyrus Richards Piano und Orgel, Tonys Gitarre, Magoos Percussion und Gaudi am Synthesizer noch verstärkt. Das abschließende Instrumental „Off the Spectrum“ lässt noch einmal die „Rootz“ und musikalischen Stärken von Creation Rebels „Hostile Environment“ aufblitzen. Und ja, Adrian Sherwoods Präsenz und Können ist überall spür- und hörbar.

Das Dub-Werk „Hostile Environment“ bezieht sich politisch auf die katastrophale, bestrafende Einwanderungspolitik Großbritanniens, die von Theresa May eingeführt und von ihren Nachfolgern fortgesetzt wurde. Dabei wurde völlig außer Acht gelassen, was die „Windrush-Generation“ für den Aufbau Großbritanniens nach dem Krieg geleistet hat. „Das war vor dem Hintergrund des Windrush-Skandals und nachdem einer dieser Nazi-Innenminister gesagt hatte, dass sie ein feindliches Umfeld schaffen wollten, um Menschen, die Zuflucht suchen, aufzuhalten“, so Sherwood. „Es ist der perfekte Titel für das Album, da alle Vorfahren unserer Crew aus der Windrush-Generation stammen.“

Bewertung: 4.5 von 5.
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Dublerone: Dub For Kailash

Wenn ich Dublerone lese, assoziiere ich unweigerlich „die zarteste Versuchung, seit es »Dubolade« gibt“. Dass die Schweiz mehr zu bieten hat, als Tresore, Banken, Franken, Berge, Käse, Rösti, Uhren und Schweizer Offizierstaschenmesser – um nur einige Klischees zu nennen – wissen wir Dubheads spätestens seit Hazer Baba, Dubment und allen voran Dub Spencer & Trance Hill. Nun kommt aus der Schweizer Hauptstadt Bern eine weitere zarte Dub-Versuchung mit dem schönen Namen „Dublerone“. Ein Projekt, das uns laut Infotext „the finest handcrafted Swiss chocolate dub music“ präsentiert. Mit dieser Formulierung haben die beiden Berner Multiinstrumentalisten Voni Rollins (Sax, Keys, Dub FX, Mix & Editing) und David Boumi (Drums, Bass, Guitar, Keys, Compositions) die Messlatte schon ziemlich hoch gelegt. Bereits der Titel des Albums „Dub For Kailash“ (PhaPha Records) weckte mein Interesse und steigerte meine Erwartungen. Dieser Berg fasziniert mich schon mehr als die Hälfte meines Lebens. Der Kailash im Transhimalaya, zu Deutsch „kostbares Schneejuwel“, gilt als der heiligste Berg der Tibeter und Hindus. Auch Buddhisten und Bön verehren ihn gleichermaßen. Hier ist das Quellgebiet der vier größten Flüsse des indischen Subkontinents. Aus Respekt vor seiner religiösen Bedeutung ist der Berg bis heute nicht bestiegen worden. Obwohl Reinhold Messner 1985 die erste Besteigungsgenehmigung erteilt wurde, verzichtete er glücklicherweise aus Rücksicht auf die Durchführung.

Doch zurück zu diesem wunderbaren Album, das mit einer Gesamtspielzeit von 27 Minuten für meinen Geschmack leider etwas kurz ausgefallen ist. Ehrlich gesagt, hatte ich bis vor ein paar Tagen noch nie etwas von Dublerone gehört. Doch bereits der Titeltrack und Opener „Dub For Kailash“ bietet alles, was das Dub-Herz begehrt. Auf den Klang einer Gebetsglocke und Mönchsgesängen folgt ein fetter, rollender Bass, eine satte Bläsersektion, zarte Klänge einer sirrenden Tanpura, die dann in ein richtig fetziges Rockgitarrensolo münden. Überhaupt sind die Soundeffekte auf dem ganzen Album durchdacht und wirkungsvoll eingesetzt. Eine ganz andere Stimmung vermittelt der zweite Track des Albums, „Oblingada“. Hier klingt alles eher nach Bossa Nova und erinnert durch die mit Streichern unterlegte Bläsersektion an den soulig, funkigen Acid Jazz der späten 80er Jahre. Auch „Badman & Robadub“ besticht durch ein kräftiges Bass- und Schlagzeugfundament, auf dem sich die Gastmusiker Marco Wäspi an der Trompete und Maro Widmer an der Posaune so richtig austoben können, bevor sich ein paar jazzig angelegte Gitarrenläufe ihren Weg bahnen. „Just Bees and Dub and Flowers“ erinnert mit seinen sanften Gitarrenläufen an Wes Montgomery, bevor sich ein jazzig schräges Saxofon wellenförmig in den Vordergrund schiebt. Besonders positiv fällt mir bei „Dub For Kailash“ auf, dass sich die Tracks immer mehr in jazzige Gefilde begeben und die Blue Notes die Oberhand gewinnen. Wobei die üblichen Reggae- und Dub-Muster erhalten bleiben.

Alles in allem ein äußerst kurzweiliges Album, welches uns das Duo Dublerone mit seinen Mitstreitern hier präsentiert. Es würde mich nicht wundern, wenn David Boumi, Voni Rollins und die anderen beteiligten Musiker ebenfalls Absolventen der Musikhochschule Luzern wären. Egal, viel wichtiger ist doch, dass wir wie gewohnt ein sehr feines, hochwertiges Produkt aus der Schweiz geboten bekommen, das darüber hinaus als besonderes Schmankerl auch auf Vinyl erhältlich ist.

Bewertung: 4 von 5.
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Count Dubula: The Rise Of … Count Dubula

It’s a Family Affair, denn auch den Brüdern Adam und Jordan Chini liegt die Musik im Blut. Doch zunächst einmal zurück an den Anfang, wo alles begann. Familie Chini wanderte in den 1920er Jahren aus Italien in die USA ein. Ed Chini, der Großvater von Adam und Jordan, verdiente sich als kleiner Junge seinen Lebensunterhalt als Akkordeonspieler bei Radiosendern in Chicago. Nach dem Umzug der Familie nach Kalifornien wurde Ed, der sich zunehmend für Jazz begeisterte, Akkordeonist in der Band „The Four Sharps“. Eds Sohn Robert Chini trat in die Fußstapfen seines Vaters, lernte früh Schlagzeug und wurde später Songwriter für Motown. In den 1970er Jahren hatte Robert denselben Manager wie Muhammad Ali und hätte beinahe seinen großen Durchbruch gehabt, als er einen seiner Songs an Quincy Jones schickte, der für Michael Jacksons „Off The Wall“-Sessions infrage kam. Leider schaffte es der Song nur knapp nicht in die Auswahl. Von mehreren hundert eingereichten Songs landete er zwischen Platz 10 und 15. Schade, aber knapp vorbei ist eben auch vorbei.

Adam wurde 1985 geboren und bekam mit fünf Jahren sein erstes Schlagzeug. Sein jüngerer Bruder Jordan kam sechs Jahre später, 1991, zur Welt. Auch Jordan bekam mit sechs Jahren sein erstes Instrument, eine Gitarre. Da Robert Chini, der Vater der beiden Jungs, einen Job als Künstlerbetreuer bei Carvin Audio angenommen hatte, standen zu Hause regelmäßig neue Homerecording-Geräte zum Ausprobieren herum. Jordan Chini bastelte schon früh in seinem Zimmer an verrückter elektronischer Musik, wie sie Aphex Twin oder Autechre machten.

Trotz des Altersunterschieds von sechs Jahren waren Adam und Jordan immer eng miteinander verbunden und spielten auch zusammen in denselben Bands. Zwischenzeitlich gingen sie musikalisch getrennte Wege. Jordan Chini hat sich zum Multiinstrumentalisten und Musikproduzenten gemausert und unter dem Namen „Boy Dude: Cassette For You“ ein Album veröffentlicht, auf dem er Lo-Fi-Songwriting und Psychedelia mit der Ästhetik von experimentellem Funk und Soul verschmilzt.

Unter seinem neuen Alter Ego „Count Dubula“ (dubula = Zulu-Ausdruck für schießen, feuern) veröffentlichte er vor zwei Monaten „The Rise of Count Dubula“ (CQQL Records). Es ist nicht auszuschließen, dass Jordan das Album im Alleingang aufgenommen hat. Da er schon immer viel mit Soundtechniken gearbeitet hat, kann man auch hier davon ausgehen, dass Jordan mit einer Reihe von Gitarren, Bässen, Drumcomputern und Vintage-Synthesizern bewaffnet ins Studio verschwunden ist und sich ans Werk gemacht hat. Für mich ist „The Rise of Count Dubula“ pures Hörvergnügen. Jeder Song hat seine eigene Melodie, die Keyboards wabern lang und breit durch den Äther, die Dub-Effekte sind nicht übertrieben, der Bass rollt langsam und träge, aber immer mit Druck. Der Keyboardsound ist oft etwas pompös, fast theatralisch. Herrlich, wie das Theremin im Track „Born Again“ jault. Das ganze Album erinnert mich auch musikalisch an Jack Arnold B-Movies aus den 50er Jahren (Die unglaubliche Geschichte des Mister C.; Der Schrecken schleicht durch die Nacht; Tarantula etc.). Auch hier teilweise billigste Effekte, wie z. B. in „Black Lung“ ein ordentliches morgendliches Abhusten eines Kettenrauchers Marke „Letzte Grüße aus Davos“ oder ein fettes Aushusten nach einem Zug aus der Hookah. Aber ich mag das ganze Konzept so wie es ist: kurzweilig, dubbig, unscharf, emotional, trippig, verträumt, oder … denkt euch was aus.

Zusammengefasst: „The Rise of Count Dubula“ von Count Dubula ist ein amerikanisches Dub-Reggae-Projekt aus Los Angeles, Kalifornien, das vom Musikproduzenten und Komponisten Jordan Chini im traditionellen Dub-Stil eingespielt, aufgenommen und abgemischt wurde. Mit analogem Delay, Federhall und einem Big Knob Filter wurden die Aufnahmen durch einen Achtkanal-Mixer/Tape-Maschine Tascam 388 geschickt und dann mit einem improvisierten Ansatz abgemischt. Die Idee mit dem Kassettencover gefällt mir sehr gut. Das Album und das Layout wurden dadurch beeinflusst, dass Jordan Chini einige Aufnahmen seines Vaters (Robert Chini – ehemaliger Songwriter für Motown Records), also eine Kassette, aus den späten 70er Jahren ausgrub, was wiederum Jordan dazu inspirierte, in ähnlicher Weise zu experimentieren. Das Ergebnis kann sich hören lassen.

Bewertung: 4 von 5.
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Channel One Sound System: Down In The Dub Vaults

Jah Shaka war bis zu seinem plötzlichen Tod höchstwahrscheinlich das bekannteste Reggae-Soundsystem Großbritanniens und darüber hinaus. Das Channel One Sound System der Brüder Mikey Dread und Jah T ist in Sachen Popularität und Bekanntheit fast ebenbürtig. Die beiden übernahmen 1979 das Geschäft ihres Vaters und brachten ihren Sound zu den lokalen Blues-Dances. Den Namen Channel One wählte Mikey als Hommage an das legendäre Channel One Studio auf Jamaika. Seit 1983 tritt Channel One jedes Jahr beim Notting Hill Carnival auf, der heute auf den Tag genau beginnt und am Montag, dem 28. August endet. Nachdem Mikey eine Auswahl von Greensleeves beim Notting Hill Carnival 2022 gespielt hatte, wurde er gebeten, in den Tresoren von Greensleeves zu stöbern und Tracks vorzuschlagen, die sich für ein Doppelalbum eignen würden. Nun ist es so weit: Pünktlich zu diesem weltweit einmaligen Ereignis präsentieren die „Roots Defenders of Notting Hill Carnival“ eine Sammlung von 20 Tracks als Doppel-Gatefold-Vinyl – „Channel One Sound System: Down In The Dub Vaults“ (Greensleeves). Eine LP mit Gesang und eine LP mit den dazugehörigen Dubs. Dazu ist Mikey Dread tief in die Schatzkammer des Greensleeves Labels gestiegen und hat einige längst vergessene Perlen ans Tageslicht befördert, die vor vielen Jahren als Maxi-Singles veröffentlicht wurden. Mit Künstlern wie Reggae Regular, Keith Hudson, Michael Prophet und Linval Thompson sowie Dubs von Sly & Robbie, Roots Radics und Rockers All-Stars bietet „Down In The Dub Vaults“ einen Überblick über die Tracks und Dubs, die über die Jahre eine wichtige Rolle in der Channel One-Rotation gespielt haben:
Michael Prophet mit „Just Talking“ ist so ein Klassiker, den Mikey Dread zum ersten Mal auf Jamaika gehört hat. Dieser Heavyweight-Dub aus dem Schneideraum des Channel One Studios in der Maxfield Ave, Jamaika, wird seit vielen Jahren vom Channel One Sound System auf ihren Dances gespielt. Auch Tetracks „Trappers“ von Gussie Clarke und Sly & Robbie durfte bei keiner Session fehlen. Mikey Dread sagt: „Einer der Tracks, bei denen man weiß, wann die KT88-Röhren aufgewärmt sind, ist „Let Go This One“ von Anthony Johnson.“ Fast schon eine Hymne für das Channel One Soundsystem ist „Can’t Pop No Style“ geworden. Der Song des jungen Hugh Mundell, entstanden unter der Regie von Augustus Pablo, ist auch heute noch fester Bestandteil ihres aktuellen Repertoires. Abschließend möchte ich noch zwei meiner persönlichen Highlights aus dieser wunderbaren Sammlung alter, ehrwürdiger Riddims hervorheben: Zum einen den von mir sehr geschätzten Keith Hudson mit „Bloody Eyes“ und dem dazugehörigen Dub „My Eyes Are Red“, zum anderen die Reggae Regulars mit „Black Star Liner“ und dem Dub-Pendant „The Dub (It’s Coming)“. Trotz unzähliger Durchläufe höre ich diese Maxi-Single aus meiner Sammlung immer noch mit wachsender Begeisterung.
Fazit: Diese Veröffentlichung enthält Tracks, die das Channel One Soundsystem seit über 40 Jahren spielt. „Das Projekt beleuchtet die Geschichte echter Roots & Culture Music mit Vocals & Dubs auf zwei Vinylplatten, die von einigen legendären Reggae-Künstlern stammen. Viele junge Leute kennen diese Hymnen nicht und haben sie vielleicht noch nie gehört, also ist diese Veröffentlichung wirklich für die nächste Generation von Soundsystems gedacht, die gerade erst anfangen“, sagt Mikey Dread.

Bewertung: 4.5 von 5.
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Five Star Review

Jah Myhrakle: Who Keeps The Seals Dub

Beginnen wir doch mit einem Kommentar und der darin enthaltenen Feststellung von lemmi: „… da es wohl sehr schwer zu sein scheint, da überhaupt etwas drüber zu erfahren!“

Ja, das kann ich ohne weiteres unterschreiben, und weil ich bis heute keinen Fratzebook-Account habe und auch keinen brauche, weiß ich auch nicht, was dort auf dem Account von Jah Myhrakle zu lesen ist. Gutes Marketing sieht anders aus. Was ich von Jah Myhrakle über andere Kanäle herausfinden konnte, ist, dass er mit bürgerlichem Namen Eric Garbutt heißt und aus Belize kommt. Bereits 2020 veröffentlichte er sein drittes Album „All 4 U“. In der Zwischenzeit sind noch etliche dazugekommen. Es ist der helle Wahnsinn, wie viele Tracks von Jah Myhrakle alleine bei Amazon zu finden sind. Im Mai 2023 wurde „He Who Keeps The Seals“ veröffentlicht, dem dann im Juli „He Who Keeps The Seals Dub “ (Gold Den Arkc Recordsz) folgte. Wie schon auf den Vorgängeralben zeichnet sich auch Jah Myhrakles neues Album „He Who Keeps The Seals (Dub)“ durch einen originalen Roots-Reggae-Sound aus, der auch seine kraftvolle Stimme und die spirituelle Botschaft von Rastafari sehr überzeugend zum Ausdruck bringt. Die Vocals wurden in Brooklyn, New York, bei Gold Den Arkc Recordsz aufgenommen und abgemischt. Wo die fantastischen Dub-Mixe entstanden sind und wer dafür verantwortlich ist, kann ich leider nicht mit völliger Gewissheit sagen. Da Jah Myhrakle aber schon öfter mit dem einflussreichen Produzenten und Soundengineer Laurent „Tippy“ Alfred von I Grade Dub aus St. Croix zusammengearbeitet hat, könnte ich mir vorstellen, dass der auch dieses Album gemixt und gemastert hat. Die fetten Dub-Soundscapes und der gemächliche, ruhige Flow lassen mich darauf schließen. Die One-Drop-Riddims und sanften Basslines verschmelzen mit leicht Jazz-inspirierten Gitarren-Sounds, akustischen Texturen und eingewobenen Dub-Elementen zu einem prächtigen Gesamtwerk. Irgendwo kann ich in der vorliegenden Musik auch eine enge Verwandtschaft zu dem im November 2019 verstorbenen Vaughn Benjamin von Akae Beka heraushören, mit dem Jah Myhrakle ebenfalls zusammengearbeitet hat. Jah Myhrakle ist offensichtlich unerschütterlich auf seiner Mission, die kraftvolle Botschaft Rastafaris unter das Volk zu bringen. Für mich ist der vielschichtige Sound von „He Who Keeps The Seals Dub“ Meditation, Inspiration und Intensität in einem.


Kurzum: Jah Myhrakle ist ein elektrisierender Reggae-Künstler, der dich – im positiven Sinne – mental und spirituell beeinflussen wird.

Bewertung: 5 von 5.
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Aquarius Rock: The Hip Reggae World of Herman Chin-Loy

Herman Chin-Loy war von Kindheit an musikbegeistert. Zu Unrecht wird Herman Chin-Loy viel zu oft einfach vergessen, wenn die ganz Großen der Dub-Geschichte aufgezählt werden. Dabei gehört er mit seinem „Aquarius Dub“ aus 1973 im Grunde zu den Speerspitzen dieses Genres. Bevor er 1969 im zarten Alter von 21 Jahren seinen eigenen Plattenladen Aquarius und sein eigenes Label eröffnete, verkaufte er Schallplatten, arbeitete in Plattenläden und legte als DJ in einigen der angesagtesten Clubs Kingstons auf.

Obwohl er für die Gesangsspuren verantwortlich war, waren es seine fabelhaften Instrumentalstücke, die seine frühe Karriere am besten definieren und auf die sich diese Zusammenstellung konzentriert. Herman Chin Loy hat einen Sound, der so unverwechselbar ist wie kaum ein anderer im Reggae. Wie Lee Scratch Perry, war auch er stets auf das Schräge und Ungewöhnliche spezialisiert. Seine Labels Scorpio und Aquarius sind für einige der innovativsten Instrumentalstücke des Reggae verantwortlich. Von seinem Plattenladen in Kingston aus konnte er Anfang der 70er Jahre die „Street“-Vibes vieler seiner jungen, hippen Kunden perfekt einfangen. Anfangs entstanden seine ersten Instrumentalplatten unter dem Namen Augustus Pablo. Bis ein dünner junger Mann namens Horace Swaby mit einer Melodica in seinem Laden auftauchte. Herman gab dem jungen Swaby den Namen Augustus Pablo und nahm ihn mit ins Studio. Der Rest ist Geschichte.

Hier auf „Aquarius Rock“ (Pressure Sounds) haben wir einige der lebendigsten funky Reggae-Tracks, die je auf Jamaika gemacht wurden. Es gibt auch eine Handvoll Vokal-Tracks, aber auch die sind Killas. Die auf dem Album versammelten Instrumentalstücke zeigen eindrucksvoll Hermans frühe Studiokarriere. Chin-Loy machte sich im Studio die Talente der Hippy Boys (auch als The Upsetters II bekannt) und der Now Generation zunutze und begann, eine Flut von Instrumentals zu veröffentlichen, auf die sich diese Zusammenstellung verstärkt konzentriert. Die von Keyboards dominierten Stücke wurden Augustus Pablo zugeschrieben, unabhängig davon, wer tatsächlich an den Tasten saß. Von dem jungen Melodica-Spieler, der bei Chin-Loy aufgetaucht war, veröffentlichte der Produzent dessen erste Single „Iggy Iggy“ ebenfalls unter dem Pseudonym Augustus Pablo. Horace Swaby behielt seinen neuen Künstlernamen bei und landete immer wieder Hits, allen voran „East of the River Nile“, mit dem er seinen unverwechselbaren Far-East-Sound etablierte.

Auf „Aquarius Rock“ findet sich ein halbes Dutzend klassischer Pablo/Swaby-Solosingles, bei denen der Produzent zum Teil auch als DJ fungiert. Einige Aufnahmen sind mit Instrumentalstücken kombiniert, was die außergewöhnliche Arbeit der Band und die erstaunliche Kreativität von A. Pablo selbst noch mehr unterstreicht. Das musikalische Können ist durchweg phänomenal, sei es bei den Instrumentalstücken der Band, den Soloausflügen der Bläser, den mitreißenden Melodica-Stücken und natürlich den von Keyboards dominierten Stücken. Diese Instrumentalstücke sowie die Solostücke von A. Pablo machen den Großteil des vorliegenden Sets aus. Zwei Vokalstücke stammen von Alton Ellis, der sein „Alton’s Official Daughter“ sauber, jedoch etwas ungeschliffen vorträgt, während Dennis Brown das „Song My Mother Used to Sing“ gefühlvoller beisteuert. Eine unbekannter Archie McKay singt „Pick Up the Pieces“, das nichts mit dem Klassiker der Royals zu tun hat. Beres Hammond präsentiert hier eine seiner frühesten Aufnahmen, ein unglaublich warmes „No More War“, gefolgt von Hermans „No More Version“. Weniger bekannt als sein Cousin Leslie Kong, verdient Herman Chin-Loy dennoch die vollste Aufmerksamkeit, und diese Compilation ist eine längst überfällige Hommage an eines der einflussreichsten Talente des Reggae. Die feinen Scat-Intros stammen alle von Herman Chin-Loy höchstpersönlich.

Bewertung: 4.5 von 5.
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Review

Fire feat. Adrian Sherwood: Live

Meine Rezension möchte ich mit einem recht herzlichen Dank an lemmi beginnen. Er war derjenige, welcher mich auf dieses unglaublich fremdartige und doch faszinierende Projekt aufmerksam machte. Asche auf mein Haupt: Die Veröffentlichung im Januar dieses Jahres habe ich komplett verschlafen.

Mir ist sonnenklar, dass diese Platte nicht jedermanns Geschmack treffen wird. Möglicherweise gefällt sie mir gerade deshalb umso mehr. Die Aufnahmen zu „Fire feat. Adrian Sherwood“ (Salgari Records) sind bereits am 04. Oktober 2020 beim Turiner Jazz Festival, in Italien, entstanden. Ein musikalisches Audio-Video-Projekt, das so ambitioniert ist, dass ich die Biografie der Band gerne als Lackmustest für das heranziehe, was auf dieser Platte heraufbeschworen wird: Fire feat. Adrian Sherwood ist eine Kollision von elektronischer Musik, Dub, Jazz, Global Beats, Field Recordings und visueller Kunst. Es ist die Verdichtung musikalischer und visueller Sprachen, die sowohl für die Künstler als auch das Publikum allumfassend ist. Fünf gestandene Musiker, eine englische Dub-Legende – Adrian Sherwood, die absolute »Schutzgottheit« des englischen Dub – und ein Videokünstler lassen die Techniken des zeitgenössischen elektronischen Jazz mit Live-Dubbing und der Echtzeit-Aufführung eines Films kollidieren. Zwischen Publikum und Musikern wurde der Film auf der Bühne auf eine Leinwand projiziert.

Jetzt wurden endlich diese faszinierenden Live-Aufnahmen dem Publikum zugänglich gemacht. Das höchst bemerkenswerte Ensemble wurde vom Trompeter Ivan Bert (Dark Magus Orchestra, Emma for Peace, Jazz TO Nepal) gegründet. Zur Crew gesellten sich: Saxofonist Gianni Denitto (Zion Train, T.U.N., Kora Beat), der Vibraphonist und Perkussionist Pasquale Mirra – einer der vielseitigsten und inspiriertesten Jazz-Vibraphonisten Europas – (Mop Mop, C-mon Tigre), der Drumer Filoq (Italian Institute of Cumbia, Uhuru Republic, Vinicio Capossela), sowie der Multiinstrumentalist, Gitarist und Produzent Marco „Benz“ Gentile (Africa Unite, Meg, Architorti). Für die Visuals dieses Multimedia-Projekts war Riccardo Franco-Loiri aka Akasha verantwortlich.

Kurzum: Das Resultat ist lysergisch. Es wurden beruhigende und beunruhigende Atmosphären geschaffen. Die Wechsel zwischen menschlichen Stimmen und bizarren exotischen Elementen sowie zwischen Jazzelementen und postindustrieller Einsamkeit wurden perfekt in das Gesamtkonzept integriert. Die Band, aber auch Adrian Sherwood sind wahrlich »on fire«. Durch Sherwoods genialen Dub-Mix mit z. T. schon lange vergessenen Samples von Prince Far I, Andy Fairley, Dub Syndicate und Albert Einstein wird das Endprodukt noch überproportional verstärkt. Da sind sie, die ungehörten Sounds, denn On .U Sound presents: „Tunes from the Missing Channel“! Die Interaktion zwischen Fire und Sherwood ist atemberaubend. So etwas kann meines Erachtens nur der open-minded, schon immer alle Konventionen brechende, A. M. Sherwood. Einzigartig!

Bewertung: 4.5 von 5.