Kategorie: Review

Laut Presseinfo ist Professor Skank der mit Abstand bekannteste Dub-Producer Griechenlands. Abgesehen davon, dass ich bisher noch nicht von ihm gehört hatte, bin ich gern bereit, dieser Aussage uneingeschränkt Glauben zu schenken, da ich auch keine anderen griechische Dub-Produzenten kenne. Aber die Botschaft ist trotzdem angekommen: Der Professor ist wichtig! Hören wir mal rein, was diese Spitzenkraft so drauf hat: Das Album Digital Revolution (Pale Records) beginnt mit einer Signature-Speech von Mad Professor. Witzig!, denke ich, da startet er direkt mit einem selbstironischen Kommentar zu seinem Namen. Sympathisch. Doch dann lese ich: Mad Professor ist der Mentor des Griechen. Professor Skank ist bei Mad Professor in die Lehre gegangen, hat im Ariwa-Studio gearbeitet und dort Produktionen für Max Romeo, Aswad, Love Grover, African Simba und Zion Train betreut. Interessant, hätte ich jetzt nicht erwartet. Weiter geht es mit absolut zeitgemäßen, abwechslungsreichen, teils traditionellen, teils neue Wege beschreitenden Dub-Tunes, die mir allesamt gut gefallen. Der Professor trägt seinen Titel zu Recht. Dabei klingt kein Track auch nur entfernt nach Mad Professor. Erstaunlich. Ich lese weiter: „Professor Skank hat mit sich selbst gewettet, zwei unterschiedliche Kulturen, die griechische und die jamaikanische, musikalisch zusammen zu bringen“. Angeblich spielten griechische Musiker, die niemals zuvor mit Reggae und Dub in Berührung gekommen waren, die Tracks ein. Respekt. Die Griechen haben offenbar ein angeborenes Talent für fette Reggae-Beats. Allerdings würde ich mir die Zusammenkunft zweier Kulturen anders vorstellen. Wäre es nicht spannend gewesen, solide Dubs mit griechischer Folklore zu verbinden? Egal! Auch ohne Folklore hat der Professor ein ordentliches Dub-Album abgeliefert. Ab jetzt habe ich ihn auf dem Schirm. Versprochen.

Vor exakt zwei Jahren erschien „Blackwood Dub“ von Sly & Robbie und löste in mir zwiespältige Gefühle aus: Aufgenommen im legendären Harry J-Studio und produziert von Alberto „Burur“ Blackwood, vermied das Album weitgehend das klassische One-Drop-Schema des Reggae und präsentierte „progressive“, intellektuell anspruchsvolle aber letztlich irgendwie unbefriedigende Dub-Kreationen. Die Freude über innovative Sounds stritt mit der Frustration, auf meine geliebten One-Drops verzichten zu müssen. Underwater Dub (Groove Attack) macht genau am gleichen Punkt weiter – fast könnte man meinen, beide Alben seien in der gleichen Session entstanden. Wieder sind die alten Weggefährten der Rhythm Twins mit an Bord: Mikey Chung, Dalton Brownie, Daryl Thompson, Robbie Lyn, Sticky Thompson und Skully. Konzept, Sound und Setting sind identisch: Wieder wird uns eine verrückte Kombination hypermoderner Dub-Beats mit Sound-Samples aus Sly & Robbie-Aufnahmen der 1980er Jahre präsentiert. Wahrscheinlich hatte Sly seine guten alten Syndrums ausgepackt und seine Freude daran gehabt, die damaligen Sound-Presets von noch vorhandenen Floppy-Disks zu laden. Das Ergebnis ist frappierend: zu hören sind neue, etwas sperrige, abstrakte Beats, zwischen denen plötzlich diese vertrauten Sound-Stückchen aus der Vergangenheit aufblitzen. Ein geschicktes Manöver, die Hörer auf vertrautem Terrain zu empfangen und sie von dort aus in die Gefilde des Unbekannten zu entführen. Während ich vor zwei Jahren der handwerklichen Perfektion von „Blackwood Dub“ aufrichtigen Respekt zollte, mich das Gesamtergebnis jedoch weitgehend kalt ließ, erscheint mir „Underwater Dub“ etwas zugänglicher, etwas harmonischer und, ja, auch etwas näher am Reggae gebaut zu sein. Im Interview freut sich Sly Dunbar schon auf das nächste Album. Ich freue mich hingegen auf das übernächste, wenn das Konzept ausgereift und endlich ein richtiges Dub-Album vorliegen wird, das man nicht nur hören, sondern auch spüren wird.

William S. Burroughs und Dub? Warum nicht? Immerhin ist Burroughs DIE Ikone der Gegenkultur,  der sich auch der Reggae zugehörig fühlt. Zudem wurde Burroughs’ Leben von exzessivem Drogenkonsum bestimmt. Anfang der 1950er Jahre wurde er wegen Anbaus von Marihuana verhaftet – auch hier ist eine gewisse, wenn auch eher unvorteilhafte, Nähe zum Reggae nicht zu leugnen. Hinzu kommt, dass Burroughs speziell in den 1980er und 90er Jahren häufig als Spoken Word Performer gearbeitet hat und somit viele Tonaufzeichnungen seiner prägnanten, scharfen Stimme und seiner sehr lässig selbstbewussten Sprechweise vorliegen. Footage, das geradezu danach verlangt, mit passender Musik kombiniert zu werden. Und dann gibt es noch den wichtigsten Grund von allen, warum das Album William S. Burroughs in Dub (Echo Beach) mit kosmischer Notwendigkeit seinen Weg ins Dasein finden musste: Der Geburtstag von Mr. Burroughs jährte sich am 5. Februar zum hundertsten Mal. Das garantiert Aufmerksamkeit und die Aussicht, dass das Werk auch außerhalb der kleinen, verschworenen Gemeinde der Dubheads wahrgenommen wird. Gründe genug also, dass sich das Dub Spencer & Trance Hill-Quartett zusammen fand und virtuos feine, psychedelische Beats um die magischen Worte des Anti-Poeten und vielleicht wichtigsten US.-amerikanischen Schriftstellers des zwanzigsten Jahrhunderts sponn. Irgendwie passt der von Rock-Gitarre und analogem Schlagzeug geprägte Dub-Spencer-und-Trance-Hill-Sound zu der von Burroughs’ Werk stark beeinflussten Beat- und Rock-Ära der 1960er und 70er Jahre. Der zähe, verschleppte Groove der Schweizer, die psychedelische Wirkung der im Echo-Raum verhallenden Gitarren-Riffs und der tief und körperlich pulsierende Bass sind schlichtweg der kongeniale Soundtrack zu Burroughs’ wirren Monologen. Ein akustischer Drogentrip in das verkorkst-geniale Leben einer der schillerndsten Figuren der amerikanischen Geschichte. Wurde Zeit, dass der Reggae ihr huldigt.

Addis Pablo – der Name deutet schon geschickt an, was in ihm steckt: Addis Pablo ist tatsächlich der Sohn des legendären Augustus Pablo. Und man glaubt es kaum: Auch er spielt Melodika. Aufmerksamkeit ist dem jungen Musiker also gewiss – ebenso jedoch auch ein enormer Erwartungsdruck, der auf ihm und seinem Debut-Album lastet. Eben jenes legt er nun unter dem marketingtechnisch geschickt gewählten Titel In My Father’s House (Jahsolidrock) vor. Eingespielt von der österreichischen Band House of Riddim, produziert vom Holländer Marc Baronner und publiziert auf dem Amsterdamer Label Jahsolidrock, ist das Album eine rein europäische Angelegenheit. Es enthält 17 Tracks, wovon 5 reine Vocal-Tunes sind – ohne Beteiligung von Addis Pablo. Bleiben also 12 Tracks, zu denen des berühmten Vaters Sohn brav sein Melodikaspiel beigesteuert hat. Okay, dagegen ist nichts zu sagen, aber eine beeindruckende künstlerische Leistung, die den Artist-Namen auf dem Album rechtfertigt, ist das nicht gerade. Zumal House of Riddim so tight aufspielt, dass Pablos doch recht dünnes Melodikaspiel kaum dagegen ankommt – geschweige denn, dass es selbstbewusst den Lead-Platz in der Mitte der Stücke einzunehmen vermag. Die Melodica wirkt oft eher wie ein Begleitinstrument und die Melodien wirken eher improvisiert statt komponiert. Wir müssen also leider konstatieren: Addis Pablos Debut wird der hohen Erwartungshaltung nicht ganz gerecht. Ist es deshalb ein schlechtes Album? Nicht wirklich, denn House of Riddim holt die Kohlen aus dem Feuer. Die Rhythms sind ohne jeden Zweifel solide. Aber trotzdem: als Dub-Freund werde ich mit dem doch einigermaßen mainstreamigen und etwas ecken- und kantenlos wirkenden Sound der Österreicher nicht so recht warm. Was als Backing hinter guten Songs (wie z. B. Chezideks Thanks and Praise) perfekt funktioniert, muss nicht auch als Instrumental oder gar als Dub eine gute Figur machen. Da letzteres aber auch gar nicht erst versucht wurde, darf man dem Album fehlendes Dub-Mixing allerdings nicht vorwerfen. Aber Eingedenk an Augustus, hätte ich es mir eigentlich gewünscht.

Nach Woman in Dub – was ja kein Dub-Album war – legt Dubblestandart mit In Dub (Echo Beach) nun ein waschechtes, sortenreines Dub-Werk vor. Es besteht im Wesentlichen aus dem „Woman in Dub“-Rhythm-Material, sowie vereinzelten Tracks älterer Werke, wie z. B. Marijuana Dreams und Return from Planet Dub. Zwei Drittel der Dubs stammen aus der Feder von Paul Zasky und Robbie Ost, die beide den harten Kern von Dubblestandart bilden. Vier weitere Tracks wurden von Adrian Sherwood gemixt und einer von Rob Smith remixed. Insgesamt ein solides Paket aus guten Rhythms, in klassischer Manier zu Dubs geformt. Die Vocals der Damen sind auf vereinzelte Fragmente reduziert, auf störende Soundgimmiks wurde weitgehend verzichte und der sauber austarierte Old-School-Mix lässt die Rhythms frei fließen und sich entfalten. Auch Altmeister Adrian Sherwood liefert solides Handwerk ab. Lediglich Rob Smith schlägt mit seinem Remix von Holding You Close neue Wege in Richtung Club-Music ein. Ich hätte mir in der Tat mehr davon gewünscht – ein paar frische Ideen hätten nicht schaden können – will aber andererseits ein klassisch-schönes Album auf keinen Fall schlecht reden. Die permanente Hatz nach Innovationen verursacht sowieso nur Stress. Also freuen wir uns über den typischen, stets leicht an On-U-Sound erinnernden Dubblestandart-Sound (ohne störende Vocals ;-) und über unaufgeregte, der alten Schule verpflichtete Dub-Mixes.

Hoppla, damit hatte ich nicht gerechnet: Im fünften Jahr ihres Bestehens, überschreitet die Evolution of Dub-Serie endlich die Zeitenwende zum digitalen Reggae. Nachdem die zuvor erschienenen sieben CD-Boxen weitestgehend in den 1970er Jahren feststeckten, steigt Evolution of Dub, Vol. 8 (Greensleeves/VP) in die Mitte der 1980er Jahre ein und spannt den Bogen bis fast in die Gegenwart. „The Search for New Life“ lautet der Untertitel der aktuellen Box und kommentiert damit den Niedergang des jamaikanischen Dubs seit Ende der 1970er Jahre fast schon zynisch. Ohne große Mühe gelang es den Dub-Kuratoren im Hause Greensleeves/VP die bisher in der Evolution-Serie erschienenen 28 Album-Rereleases allein mit Material der 1970er Jahre zu füllen. Die folgenden 30 Jahre passen nun spielend in eine 4-CD-Box – zumindest wenn die Evolutionsgeschichte auf in Jamaika produzierten Dub beschränkt bleibt. Über die Gründe, warum Dub in Jamaika so dramatisch an Beliebtheit einbüßte, während er zuerst in England und später in der ganzen Welt immer populärer wurde, darf spekuliert werden. Nicht selten ist als Erklärung zu hören, dass der Reggae-Sound des digitalen Zeitalters keine gute Grundlage für Dubs sei: zu reduziert, zu perkussiv, zu schnell. Mal sehen, ob da etwas Wahres dran ist.

Bereits im Jahr Eins nach Sleng Teng hat Prince Jammy himself gezeigt, dass digitale Rhythms und Dub kein grundsätzlicher Widerspruch sein müssen: Computerised Dub, das erste digitale Dub-Album der Reggae-Geschichte, sorgte 1986 für Furore und wurde deshalb aus gutem Grund für die vorliegende CD-Box ausgewählt. Es enthält Dubs von zehn digital produzierten Rhythms der damaligen Pioniere des neuen Sounds: Steelie & Cleevie. Star dieses Albums ist allerdings weniger der Dub-Mix als vielmehr dieser unsägliche und doch geniale 8-Bit-Sound, den die beiden Musiker ihren Billig-Keybords entlockten und zu synthetisch-schönen Reggae-Beats formten. Jahtari hält das Erbe dieses Sounds bis heute wach. Auf „Computerised Dub“ ist das Original zu hören.

Wenige Jahre später hatte Gussie Clarke in seinem Music Works-Studio den digitalen Sound des Reggae zu einem clean-polierten, ziemlich kühlen, aber auch vergleichsweise komplexen, Sound weiterentwickelt. Mitglied des Music Works-Teams war Mikey Bennet, der Anfang der 1990er Jahre zusammen mit Patrick Lindsay das Two Friends-Label gründete und im Music Works-Studio Aufnahmen für Cocoa Tea, Brian & Tony Gold, Gregory Isaacs und Shabba Ranks produzierte. Aus dieser Zeit stammt das zweite Album der Box: Voyage Into Dub, das den typischen Music Works-Sound in Reinkultur bietet – und damit unfreiwillig die Frage beantwortet, warum Dub im digitalen Zeitalter auf Jamaika keine Rolle mehr spielte: Die digitalen Rhythms, wie wir sie hier hören, widerstreben auf natürlich Weise dem Dub-Treatment. Statt des offenen, langsamen, klar strukturierten Rhythmus des Roots Reggae, zeichnen sich die digitalen Produktionen eher durch Überfrachtung, Betonung perkussiver Strukturen sowie schneller Polyrhytmik aus und wirken dadurch oft kompliziert. Auch spielte die für Dub so entscheidende Bassline eine zunehmend geringere Rolle (bis sie schließlich im Dancehall-Sound vollständig verschwand). Daher ist „Voyage Into Dub“ zwar ein interessantes Zeitdokument, aber kein gutes Dub-Album.

Mit dem nächsten Album macht die Box einen großen Sprung in das 21. Jahrhundert: Juke Boxx Dub vom Produzenten Shane Brown. Es präsentiert u. a. Dub-Versions von Chuck Fendas „Freedom of Speech“, Romain Virgos „Can’t Sleep“ und Morgan Heritages „Brooklyn & Jamaica“. Die Aufnahmen sind dem klassischen Reggae verpflichtet, wahrscheinlich handgespielt, und bauen auf dem guten, alten Fundament von Drum & Bass auf. Die perfekte Basis also für ein Dub-Reworking. Und in der Tat: hier haben wir das erste gute Dub-Album der Box. Es folgt dem Vorbild des jamaikanischen 70ies-Dub, nutzt die gleichen Techniken und kreiert einen vergleichbaren, super-klassischen Sound. Erstaunlicherweise greifen jamaikanische Produzenten jedoch bis heute keinerlei Einflüsse internationaler Dub-Produktionen auf, die den Blick über das Seventies-Vorbild hinaus führen könnten. Steppers, Dubstep oder Crossover-Experimente scheinen tabu, obwohl sie eigentlich eine fantastische Inspirationsquelle wären.

Das letzte Album der Box hat mich wirklich überrascht, obwohl es eigentlich ganz folgerichtig ist, die „Evolution of Dub“-Serie damit zu beschließen: Dub Clash von Alborosie. Komplett analog mit historischem Studio-Equipment produziert, schließt es dort an, wo Dub in den 1970ern angefangen hat. Nicht ohne Grund hat Alborosie das Album King Tubby gewidmet und rekuriert auf klassische Riddims wie „Full Up“, „Bobby Babylon“ oder „“When I Fall in Love“. Ein absolut superbes Album – und, obwohl ich höchsten Respekt vor den alten Meistern habe, muss ich sagen: das beste Album der ganzen „Evolution of Dub“.