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Das trifft sich doch hervorragend, um das Thema Balkan ein wenig abzurunden. Die serbische Gruppe Soulcraft aus Belgrad, manchen möglicherweise durch ihre Zusammenarbeit mit Hornsman Coyote bekannt, hat ein neues Album herausgebracht. Für das aktuelle Album „Soulcraft & Masso Narradi: Book Of Life, Chapter 1 (Dare To Walk The Path Of Righteous)“ hat die Band das Jazz-Bläser-Trio Masso Narradi ins Studio eingeladen. Die EP umfasst vier Instrumentalstücke und die dazugehörigen Dub-Pendants. Veröffentlicht wird das Opus vom niederländischen Label Earth Works Outernational aus Amsterdam.

Soulcraft wurde im Jahr 2013 ins Leben gerufen und setzt sich aus erfahrenen Musikern der örtlichen Reggae-, Blues- und Punk-Szene zusammen. Sie sind seit über zwanzig Jahren in der Belgrader Musikszene aktiv und setzen sich für den Erhalt und die Verbreitung von Reggae ein. Die Band lässt sich vom Roots-Reggae der 70er- und 80er-Jahre sowie von den Botschaften von Künstlern wie Burning Spear, Bob Marley, Peter Tosh, Steel Pulse, Misty in Roots und weiteren inspirieren. Soulcraft hat sich mittlerweile als eine der aktivsten Reggae-Gruppen im ehemaligen Jugoslawien einen Namen gemacht. Zudem arbeiten sie eng mit dem in Frankreich lebenden guyanischen Sänger Ras Mac Bean zusammen, mit dem sie auch befreundet sind.

Im Sommer 2024 traf man sich im Belgrader Sick Touch Studio mit dem Jazz-Trio Masso Narradi, um ein paar neue Stücke einzuspielen. Mithilfe der drei renommierten Blechbläser aus der serbischen Jazzszene entstanden unglaubliche 24 Tracks. Davon sollen sechzehn Stücke später noch als Chapter II und Chapter III veröffentlicht werden. Die bisher vorliegenden acht Tracks aus Chapter I bieten eine kraftvolle Reise durch Roots, Reggae, Dub und Jazz. Sie folgen der Tradition großer Künstler wie Rico Rodriguez, Nils Petter Molvær zusammen mit Sly & Robbie sowie den Skatalites. Die Aufnahmen und die Produktion des Albums wurden vollständig von der Band zusammen mit Aleksandar Markovic, auch bekannt als Echomer, umgesetzt. Der Klang ist sowohl warm als auch klar, und die Abmischungen wurden mit großer Sorgfalt erstellt. Die Instrumentals sowie deren Dub-Pendants können als sehr gelungen bezeichnet werden, zumal bereits bei den Instrumentals nicht mit Hall und Echo gegeizt wurde. Für die leidenschaftlichsten Dub-Enthusiasten und Plattensammler ist eine Vinyl-Ausgabe für den Frühling 2026 vorgesehen!

Wie in den Kommentaren zu den „Charts 2025“ bereits angeklungen, ist schon etwas Wahres dran, dass im Jahr 2025 viele ziemlich gute Dub-Alben erschienen sind. Teilweise war es eine riesige Flutwelle, die über unsere Dubheads hinweg geschwappt ist. Und deshalb wäre beinahe das „Balkan Dub System” mit seinem gleichnamigen Album in der Flut von mir unbeachtet untergegangen. Hätte ich gewusst, dass sich hinter dem „Balkan Dub System” ein neues Projekt des sehr umtriebigen und vielseitigen kroatischen Multiinstrumentalisten Ognjen Zecevic alias Egoless verbirgt, wäre mir das nicht passiert. Egoless ist seit 2007 in der Musikbranche tätig. Zunächst trat er der Band Stillness aus der Region Split-Zagreb bei. Danach folgte fast zwanzig Jahre eine beeindruckende Laufbahn in der globalen Bass-, Dub- und Dubstep-Szene. Auch seine Auftritte beim Seasplash in Istrien oder in einigen der besten Clubs Großbritanniens sowie eine Tour durch amerikanische und kanadische Städte machten ihn über den Atlantik hinweg bekannt. Mit seinem Album „Dubternal“ landete er beim renommierten britischen Soundsystem-Label Deep Medi Musik, das von Londons führendem Dubstep-Innovator Mala von Digital Mystikz betrieben wird. In Kroatien wurde „Dubternal“ mit dem Elektor und Ambasador für das Album des Jahres ausgezeichnet.

Kurz nach all den Auszeichnungen reifte bei Egoless bereits ein neues Konzept. Dieses entstand exakt an der Schnittstelle zwischen Ost und West mit seiner turbulenten Geschichte, komplexen Vergangenheit und fahrenden Völkern. Der Balkan war schon immer ein Schmelztiegel unterschiedlicher Kulturen, geprägt von Jahrhunderten der Migration, Konflikten und des regen Austauschs. Aus dieser Vielfalt von Traditionen, Sprachen und Religionen entstand der Raum für Egoless‘ neue musikalische Vision. Daraus resultierte ein Album mit sieben Tracks, das tief in den musikalischen Traditionen des Balkans und des Nahen Ostens verwurzelt ist. Das neue Projekt und gleichnamige Album von Ognjen Zecevic „Balkan Dub System” kombiniert geschickt Roots Dub, Oriental Dub und Weltmusik zu einer akustischen Fusion mit den traditionellen Instrumenten des Balkans, darunter Saz, Santur, Duduk, Ney, Kaval, Darbuka und Bendir. Als einziger zusätzlicher Musiker spielte Roko Margeta auf der türkischen Ney und der mazedonischen Kaval, während alle anderen Instrumente von Egoless selbst eingespielt und gemischt wurden.
Ok, solche Projekte sind nicht völlig neu. Wir kennen ähnliche Klänge von Moreno Visini alias The Spy from Cairo, dennoch gefällt mir das vorliegende Album ausgesprochen gut. Auch, weil es einfach etwas Besonderes ist.

Mit „In Dub“ (Echo Beach) legt die dänische Band Total Hip Replacement ein Album vor, das ihre warmen, souligen und von Highlife beeinflussten Reggae-Kompositionen durch die Hände ausgewählter Dub-Produzenten laufen lässt – und das Ergebnis ist ebenso vielfältig wie überraschend. Die Band aus Aarhus, die zuletzt mit Musikern aus Ghana gearbeitet hat, öffnet ihre Songs hier für Neuinterpretationen, die mal reduziert, mal poppig, mal tief bassig und mal leichtfüßig daherkommen. Bemerkenswert ist dabei, dass viele der beteiligten Dub-Mixer in Deutschland leben: Aldubb, der Dubvisionist, Dr. Markuse und Oliver Frost prägen das Album maßgeblich, während MF DUB aus Dänemark und Dubmatix aus Toronto als internationale Gäste herausragen. Erschienen ist „In Dub“ passenderweise bei Echo Beach in Hamburg – und damit ist der Großteil dieser Produktion letztlich ein deutsches Dub-Projekt, das die Vielfalt der hiesigen Szene widerspiegelt.
Die Mixe selbst schwanken in ihrer Qualität: Einige sind atmosphärisch dicht und wirklich spannend, andere sind zwar virtuos, leiden aber etwas unter dem Ausgangsmaterial. Was mich persönlich weniger überzeugt, ist der immer wieder durchscheinende Originalgesang, der manchen Dub-Versionen die wünschenswerte Tiefe nimmt. Dazu kommen einzelne poppigere Klangästhetiken aus den Ursprungstracks, die im Dub-Kontext nicht immer optimal funktionieren. Trotzdem ist das Album hörenswert und vielseitig – ein schöner Showcase der deutschen Dub-Mixkultur und ein interessanter neuer Blick auf die Band Total Hip Replacement – die mir tatsächlich bisher unbekannt war.

„Soul Rebel in Dub“ der Lone Ark Riddim Force (A-Lone/Evidence) ist für mich eines dieser Alben, die man nicht nur hört, sondern irgendwann einfach kennt. Viele der Vocal-Versionen aus dem Lone-Ark-Kosmos – mit Alpheus oder Ras Teo – habe ich über die Jahre ohnehin verinnerlicht, und genau deshalb fühlt sich dieses Dub-Set so vertraut an. Roberto Sánchez, der in seinem Studio in Santander seit Jahren unzählige fantastische Tracks produziert, hat sich hier schon fast selbst übertroffen. Jeder Track ein Killer – no Filler – wie wir früher zu sagen pflegten. So viele musikalische Ideen auf einen Haufen gab es selten – auch nicht von Roberto Sánchez. Was mich an diesem Album besonders packt, ist die kongeniale Rocksteady und Early-Reggae-Ästhetik. Die Rhythms haben die leichtfüßige Beschwingtheit, jener goldenen Ära – aber hier eben mit satten, zeitgenössischen Sound. Die gezupften Gitarrenmelodien sind wunderschön, die Bläser sitzen perfekt, nichts ist überladen oder aufgeblasen. Und da Sánchez eher sparsam mit Dub-Effekten umgeht – teilweise klingt es fast wie klassische B-Seiten-Versionen –, wirkt das Ganze auf eine sehr angenehme Art entschlackt: klare Räume, klare Ideen, keine selbstzweckhafte Effekte, sondern musikalische Substanz.

Endlich mal wieder ein Dub-Album im klassischen Sinne, nämlich als Instrumental-Mix auf Basis eines Vocal-Albums. „World Inversion“ (Easy Star Records“ von den Flying Vipers ist die Dub-Version von „Off World“, jenem wunderschön, souligem Album vom April diesen Jahres. Während „Off World“ mit Kellee Webbs Vocals, Sozialkritik, Cover-Raritäten und jazzigen Gastmomenten ein ziemlich großes Panorama aufgezogen hat, zieht sich World Inversion zurück in den Maschinenraum des Klangs – dorthin, wo Rhythmen dekonstruiert werden, Melodien auftauchen und wieder verschwinden und die Welt hinter dem Mix plötzlich größer wirkt als die davor. Die Vipers rekonstruieren ihr Material aus „Off World“ auf charmant verschrobene Weise: manchmal fast werkgetreu, manchmal völlig ins Off gedreht. Es klingt, als hätten sie die Songs durch einen Spiegel geschickt, der die Proportionen verschiebt, aber die Essenz erhält. Die Grooves sind tief, die Räume offen, die Echos weitschweifend. Es verkörpert die Idealform klassischen Dubs – bis hin zur durch und durch analogen Klangästhetik.
Die Gastauftritte sind kleine Sternschnuppen im Mix: Earl Sixteen, dessen Stimme jeden Dub vergoldet; Roger Miller von Mission of Burma, der mit Gitarren und Cornet kurz die Tür zu einer ganz eigenen Parallelwelt aufstößt; und natürlich wieder Brandee Younger an der Harfe, die schon auf „Off World“ dieses schwer greifbare, schwebende Element beigesteuert hat. Hier wirkt sie wie ein Licht, das durch schwere Dub-Nebel dringt.
Was ich besonders schätze, ist, dass World Inversion nicht versucht, modern oder progressiv aufzutreten. Es ist stolz darauf, Dub zu sein – im klassischen Sinne. Bass und Drum im Zentrum, die Effekte als Kompass, die Melodien als flüchtige Schatten. Es gleitet, ohne zu eilen. Es groovt, ohne aufzudrehen. Es ist psychedelisch, aber nie kitschig. Für mich ist das genau die Art Dub, die man sowohl konzentriert hören als auch nebenbei fühlen kann.
Die Produktion – gemixt von John “JBo” Beaudette – ist ein weiterer Grund, warum das Album so gut funktioniert. Der Klang ist warm, satt, erdig, aber mit genügend Luft zwischen den Schichten, damit jedes Echo seine eigene Bahn ziehen kann. Ein Album, das sich wie eine liebevolle Umarmung anfühlt, eines, das nicht glänzt, sondern leuchtet.

Es gibt Artists, deren Werk so unüberschaubar, wechselhaft und stilistisch zerfasert ist, dass man jedes neue Release zunächst vorsichtig beäugt – ohne zu wissen, ob einen ein Geheimtipp oder ein Schnellschuss erwartet. Haris Pilton gehört für mich genau in diese Kategorie. Sein Output ist enorm, sein Stil bisweilen flatterhaft, seine Veröffentlichungen reichen von charmant bis unverständlich. Doch dann kommt „Think Dubby“ – und plötzlich ist da ein Album, das sich wie ein ruhender Pol im Pilton-Universum anfühlt. Ein Glanzstück. Vielleicht sogar sein Glanzstück.
Schon der Untertitel macht klar, wohin die Reise geht: „Haris Pilton Tribute to King Tubby“. Und tatsächlich – dieses Album verneigt sich nicht nur vor Tubby, es huldigt ihm geradezu. Hier geht es um Ehrfurcht, um Respekt und darum, ein Kapitel jamaikanischer Musikgeschichte so authentisch wie möglich weiterklingen zu lassen. Der von Pilton verfasste Begleittext zeichnet Tubby als das, was er war: Wissenschaftler am Mischpult, Schöpfer einer musikalischen Sprache, der Mann, der aus Drum & Bass spirituelle Architekturen formte. Pilton knüpft daran an. Nicht nur in der Ästhetik, sondern auch im Anspruch.
Wer auf „Think Dubby“ tatsächlich spielt – oder ob überhaupt jemand spielt – bleibt im Verborgenen. Angesichts Piltons Produktionsgeschwindigkeit liegt der Verdacht nahe, dass hier viel digital entstanden ist. Und doch klingt das Album beeindruckend analog: warm, staubig, historisch. Die Basslines rollen wie aus einer alten Channel-One-Session, die Drums klingen trocken, die Effekte – Delay, Federhall, Filter – könnten direkt aus Tubbys Labor stammen. Es ist fast irritierend, wie sehr diese Tracks nach 1975 riechen. Nicht im Sinne von Nostalgie-Kitsch, sondern wie echte, ehrliche Dub-Arbeit aus der Blütezeit des Genres. Manche der Versionen wirken so tubbysk, dass man sie beim Blindhören für unveröffentlichte King-Tubby-Cuts halten könnte – wenn Tubby damals schon einen so druckvollen Sound hätte mastern können.
Das Album ist stilistisch schlanker, konzentrierter und ernsthafter als vieles, was Pilton sonst veröffentlicht. Keine Experimente, keine Abwege – nur klas­si­scher, geradliniger Dub. Und dieser Fokus tut ihm hörbar gut. Die Rhythms sind großartig: feste Fundamente, tief geerdet, aber elegant. Die Mixe sind sauber, unaufdringlich, aber wirkungsvoll – nicht der Versuch, Effekte zu stapeln, sondern sie gezielt einzusetzen. Genau so, wie Dub im Kern gedacht war: als Kunst des Weglassens und der Betonung. Die Produktion bleibt trotz der Retro-Orientierung klar, druckvoll und gut ausbalanciert. Es ist ein Album, das Spaß macht, ohne anbiedernd zu sein. Ein Album, das man hören kann, ohne ständig darüber nachzudenken, wie es gemacht wurde – und gleichzeitig genau dafür Respekt empfindet, dass es so klingt. Für mich ist „Thing Dubby“ eines der schönsten Werke von Haris Pilton: ausgewogen, fokussiert, geschmackssicher und klanglich erstaunlich authentisch. Ein Album, das man in Ruhe durchhören kann, das aber auch sofort im Bauch landet, wenn man es laut über gute Boxen laufen lässt. Ja, „Think Dubby“ klingt wie eine Postkarte an King Tubby, geschrieben mit Respekt und voller Liebe zu den Wurzeln des Dub.